Recomendaciones musicales semana 28 (2025)

Mama No Likey y Hannah Nalley encienden la mecha con “Fire Me Up”

Desde las autopistas de Missouri hasta el asfalto californiano, Hannah Nalley y el dúo angelino Mama No Likey desatan pura adrenalina con “Fire Me Up”, su nueva colaboración que verá la luz el próximo 13 de junio. La canción es un estallido de guitarras sucias, voces encendidas y espíritu salvaje, con un sonido tan crudo como elegante.

El tema —producido por Philip Paulsen y masterizado por Maor Appelbaum— combina la actitud de los grandes himnos rock con una producción pulida que no pierde su filo. Nalley, magnética al micrófono, encarna una energía rebelde que se funde con el estilo contundente y cargado de textura de Mama No Likey.

“Es sobre perseguir ese subidón, esa energía salvaje y desbordada que te hace sentir vivo”, resumen desde la banda.

El videoclip promete ser igual de incendiario: motocicletas rugiendo, partidas de póker al límite y una puesta en escena cinematográfica que traduce en imágenes el vértigo sonoro del tema.

Fire Me Up no es solo una canción: es un golpe de acelerador en mitad del rock actual, donde la narrativa del medio oeste se cruza con el descaro de Los Ángeles.

Glass Mansions: luces oscuras y synthpop con garra

Desde Murcia y con una energía renovada, The Rays On lleva desde 2019 cocinando un sonido que mira al rock contemporáneo sin perder el pulsDesde Carolina del Sur, Glass Mansions llevan años perfeccionando su fórmula de synthpop alternativo con filo rockero. Su estilo, envolvente y visceral, se apoya en la poderosa voz de Jayna Doyle y una puesta en escena que mezcla glamour, vulnerabilidad y energía cruda.

Su sonido remite al synthpop oscuro de los 80 y al pop electrónico más actual, pero lo que realmente los define es su capacidad para hablar desde las emociones más sinceras con un enfoque directo y sin concesiones. Ya sea en temas bailables o en baladas atmosféricas, Glass Mansions construyen universos sonoros que conectan por dentro.

“No se trata solo de brillar, sino de hacerlo desde la herida. Desde donde duele.”

Sus últimos lanzamientos refuerzan esa identidad: producción pulida, letras intensas y una estética que oscila entre lo onírico y lo nocturno. Un dúo que no teme a lo teatral, pero tampoco pierde autenticidad por el camino.

En tiempos de algoritmos y fórmulas, Glass Mansions recuerdan que el pop puede seguir siendo peligroso, emocional y profundamente humano.

Bastion Rose abre su alma en “Humble Me”: rock denso para tiempos difíciles

En un punto de encuentro entre el alt-rock y el iDesde Bloomington, Indiana, Bastion Rose regresa con fuerza con “Humble Me”, el primer adelanto de su próximo álbum Traces of Gold. Producido por el aclamado David Bottrill (Tool, Muse, Audioslave), el tema es un golpe directo al corazón del oyente: riffs rugientes, intensidad emocional y una voz que se parte sin romperse.

Con un sonido que evoca a los mejores momentos de Soundgarden o Led Zeppelin, pero con un pulso absolutamente contemporáneo, “Humble Me” ahonda en la fragilidad que nace tras la caída. No hay arrogancia aquí, solo verdad cruda.

“A veces la vida tiene que ponerte de rodillas para recordarte quién eres”, confiesa el vocalista Austin Frink.

Tras el éxito de su EP Fade to Blue (2024), con más de un millón de escuchas acumuladas, la banda da un paso adelante en ambición y profundidad. Traces of Gold, el disco que está por venir, promete consolidar esa evolución con una narrativa sonora sólida y sin concesiones.

“Humble Me” ya está disponible en todas las plataformas, y suena como el principio de algo grande.

Emiliano Borri y el viaje emocional de “Me he dejado engañar”

Emiliano Borri lanzó el 13 de junio, junto a Electric Blues Shop, el EP “Me he dejado engañar”, un trabajo que nace de la soledad y se convierte en un puente íntimo entre dos mundos: el encierro introspectivo de la pandemia y la pulsión psicodélica de los años 60. Concebido entre España e Italia, el disco captura una evolución que ha necesitado años para encontrar su forma definitiva.

Inspirado por su aislamiento en un apartamento en Lleida durante 2020, Borri comenzó a grabar ideas con su móvil y una guitarra clásica. Lo que parecía un ejercicio personal fue tomando forma gracias a los arreglos de Edoardo Graziani y la batería de Lorenzo Lucentini, sumando capas de energía y retro-modernidad.

“Las canciones se maduraron como yo, con tiempo, dudas y la ayuda de quienes me rodean”, confiesa Emiliano.

Las letras en español —su primer experimento en esta lengua— aportan una nueva dimensión emocional a su propuesta. El resultado es un EP que bebe del pop psicodélico británico de los Beatles y se tiñe de colores propios, con una estética visual firmada por la poetisa Desdelapiel, compañera del artista.

Me he dejado engañar no busca respuestas, sino una forma honesta de compartir lo vivido. Una pequeña joya suspendida entre la nostalgia y la reinvención.

Hadas Sin Alas: cuando la oscuridad también quiere bailar

Con una estética que mezcla lo poético y lo marginal, lo excéntrico y lo profundamente humano, Hadas Sin Alas no es solo una banda: es un refugio para quienes no encajan. Su mensaje es claro desde el primer verso: dar voz al introvertido, valentía al miedoso, orgullo al loco.

Su propuesta nace de la tragedia, del humor negro, del dolor cotidiano convertido en bandera. En su universo hay desfase y canalleo, sí, pero también una ternura afilada que invita a abrazar la tristeza sin disfrazarla. Como ellos mismos dicen, “queremos decirte que no estás sola, no estás solo.”

“Invitar a la tristeza y al pesimismo a nuestro botellón” no es una provocación: es una forma de romper el estigma, de celebrar lo que duele sin perder la risa.

Hadas Sin Alas apuesta por una música que ilumina sin borrar la oscuridad. Su arte es un acto de resistencia emocional: una mezcla de honestidad brutal, sensibilidad punk y una narrativa que no le teme al abismo. En un mundo que exige felicidad constante, ellos se atreven a decir lo contrario: polvo somos y en polvo de hadas nos convertiremos.

J BNG y “Pheromones”: feromonas sónicas en clave de art rock mutante

Desde Canadá y con una propuesta tan inclasificable como magnética, J BNG lanza “Pheromones”, uno de los cortes más representativos de su primer álbum meh (2024). En esta canción, el artista convierte lo biológico en metáfora sonora, desplegando una atmósfera densa, retorcida y provocadora.

El tema destila art rock experimental, noise descompuesto y psicodelia digital en partes iguales. Las capas de sonido, casi viscosas, se entrelazan con una voz que parece flotar entre lo humano y lo maquinal. Hay algo de insectos, de deseo químico, de caos íntimo en cada compás.

“Pheromones no se escucha, se percibe. Como una descarga que no avisa pero lo cambia todo.”

El videoclip, disponible en YouTube, refuerza esa estética sensorial y algo alienante, en la que J BNG se mueve con soltura. Lo suyo no es complacer, sino alterar. Y “Pheromones” lo logra: un zumbido emocional que se queda bajo la piel mucho después del último beat.

Noir Fronterizo resucita 2004 con un disco que suena a 2025

Con un enfoque tan experimental como visceral, el multiinstrumentista neoyorquino Eating Club (alias Alex Bortnichak) presenta Manager’s Special, su tercer álbum de estudio, previsto para el 25 de abril de 2025. Este trabajo es una travesía que mezcla la crudeza del indie rock con destellos de melodías clásicas, y que confirma a Eating Club como una de las propuestas más inclasificables y personales del panorama alternativo.

Tras su paso como batería por bandas como PeasaSin avisar, sin promoción, sin gira anunciada. En pleno 2025, la banda valenciana Noir Fronterizo irrumpe con Fronterizo, un álbum grabado en 2004 que, por razones nunca explicadas, permaneció oculto durante dos décadas. Hoy, finalmente ve la luz, y lo hace con la fuerza de lo que nunca caducó.

Grabado y mezclado entonces por Manolo Tomás, el disco se presenta sin remasterizar ni modificar: lo que escuchamos es exactamente lo que fue. Y sin embargo, el sonido es feroz, las guitarras escupen energía cruda y las letras —con un trasfondo social punzante— parecen escritas para este mismo instante.

“Fronterizo no regresa: aterriza como si el tiempo no hubiera pasado, como si el mundo todavía necesitara estas canciones.”

Más que un ejercicio de nostalgia, este lanzamiento es un testamento de vigencia. De cómo la urgencia, la actitud y la verdad no entienden de modas ni fechas de publicación. Noir Fronterizo no volvió: nunca se había ido del todo.

Lilywhite mira al futuro con melancolía luminosa en “Sunk”

La banda granadina Verona regresa con “4 Fuegos”, un EP que reúne tres de sus últimos sencilloDesde Zwolle, Países Bajos, Lilywhite presenta “Sunk”, el adelanto de su nuevo álbum Future, publicado el 13 de junio de 2025. La canción, que navega entre la tristeza y la esperanza, recuerda a los Beatles más introspectivos, con una producción melódica y matices psicodélicos que envuelven el duelo con delicadeza.

“Sunk” habla de pérdidas inevitables, pero también de cómo honrar lo que permanece: “Rest in peace is all that we can pray”, cantan, en un himno que no se queda en la nostalgia sino que abraza la memoria como forma de seguir adelante.

“Future suena a presente emocional: una colección de canciones que narran las estaciones interiores con calidez y honestidad.”

El disco —un doble vinilo y digipack en CD— recopila los tres EPs publicados desde 2024 (Morning Rain, Weather The Storm y Silver Lining), incluyendo el tema “Plan”, que alcanzó el #1 en las listas indie holandesas. Completan el álbum una versión alternativa de “Starting Point” y la ya mencionada “Sunk”.

Producido en GieSoundStudio Zwolle y editado por el sello independiente Minstrel Music, Future es un retrato elegante y variado del sonido de Lilywhite. Una propuesta sobria y emocional que demuestra que el pop melódico aún tiene mucho que decir.

“Eclipse”: cuando los mundos chocan al ritmo del rock fantástico de World Without Humans

Desde Berlín y Orlando, los hermanos Tessa y Todd fCon un pie en la épica y otro en la distorsión, World Without Humans presenta “Eclipse”, su himno más ambicioso hasta la fecha. El tema, que transcurre a 180 BPM y en una envolvente tonalidad de Mi menor, dibuja un universo donde elfos y humanos se enfrentan en un momento cósmico decisivo. No es solo música: es fantasía hecha sonido.

Las guitarras rugen como si anunciaran batalla, mientras una vocalista de voz poderosa eleva el coro a lo celestial. La producción combina el músculo del metal con la accesibilidad del pop-rock, en una mezcla que recuerda tanto a bandas de metal sinfónico como a los paisajes del prog más narrativo.

“El eclipse es un portal: un momento en que los límites se borran y lo imposible se revela.”

La canción no solo se atreve con una narrativa mítica, sino que logra sostener su intensidad con una instrumentación sólida y detallada. Eclipse es un crossover entre mundos sonoros y narrativos, una invitación a imaginar mientras los decibelios marcan el paso.

Con este lanzamiento, World Without Humans se consolida como una de las bandas más valientes del rock progresivo actual, capaz de unir la emoción del relato épico con la fuerza del directo.

The 59 Sound cierra su trilogía con “Borderlines”: rock emocional desde los márgenes

Hiperbórea es el resultado de una evolución constante. Nacidos como Síndrome Amok en 2016, la banda ha sabido reinventarse sin perder su esencia, como demuestra su potente traTras Miles Away (2020) y Scars (2022), el quinteto malagueño The 59 Sound culmina su trilogía sonora con “Borderlines”, un disco que se instala justo en ese espacio donde el rock alternativo abandona lo previsible y se abraza al riesgo. La banda construye aquí una propuesta sincera, melódica y desgarradora, alejada de clichés y artificios.

Grabado entre marzo y mayo de 2025 en La Casa Estudio de Martin “Youth” Glover (Albuñuelas, Granada), y producido por Iván Moreno —con historial junto a The Jesus & Mary Chain o Los Planetas—, el disco suena envolvente, crudo y sofisticado a la vez. Es el tipo de álbum que no teme perderse para encontrarse.

El primer adelanto, “Over Under”, es puro hipnotismo: percusión hipnótica, capas de distorsión y la voz única de Vic de Wee, una de las apariciones más magnéticas del panorama rock español reciente.

“Borderlines no busca encajar: prefiere romper los moldes desde dentro.”

Con este trabajo, The 59 Sound demuestra que la independencia también puede ser sinónimo de excelencia internacional. Un cierre de trilogía que no pone punto final, sino tres puntos suspensivos.

SóS: bajo, batería y rock sin complejos desde Ferrolterra

Desde los márgenes del mapa pero en el centro del ruido, el dúo gallego SóS irrumpe con fuerza en la escena alternativa con “Volume un”, su primer EP de seis temas en gallego. Formado por Adrián (batería y coros) y David (bajo y voz principal), el grupo ha logrado dar con un sonido crudo, directo y contundente, inspirado por bandas como Royal Blood, The White Stripes o Arctic Monkeys, pero con alma propia.

Con una configuración poco habitual —un bajo conectado a tres amplificadores distintos—, construyen paisajes densos, riffs que muerden y ritmos que empujan. Lo suyo es minimalismo eléctrico con pegada emocional. Pelea, su primer single, abrió la veda; Volume un la convierte en declaración de intenciones.

“Riffs de bajo pegadizos, baterías pesadas y letras sin complejos: SóS es el grito gallego que faltaba en el rock alternativo actual.”

Con letras sencillas y una puesta en escena fresca y dinámica, SóS ha iniciado una gira por Galicia que ya los ha llevado a Ferrol, A Coruña y Santiago. Sus conciertos son una descarga de honestidad y potencia, una celebración de lo que ocurre cuando se elimina todo lo innecesario y solo queda el ruido que importa.