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Recomendaciones musicales semana 29 (2026)
Esta semana ponemos el foco en una selección de artistas que merece ser escuchada con atención. Proyectos que llegan con personalidad, criterio y una forma muy clara de entender la música.
Aquí no hay fórmulas vacías ni intentos de encajar en lo que ya funciona. Hay canciones con intención, discursos propios y una búsqueda artística que se nota en cada detalle. Algunos sorprenden por su sonido, otros por la manera de contar, y otros por esa capacidad difícil de explicar: la de quedarse contigo después de la primera escucha.
Son propuestas que avanzan sin miedo, mezclando influencias, rompiendo moldes y defendiendo una identidad reconocible. Artistas que no están aquí para rellenar listas, sino para abrir camino.
Si te apetece descubrir música con carácter, sensibilidad y algo real que decir, esta selección es un buen punto de partida.
Cada uno destaca por un lenguaje artístico bien definido, capaz de combinar técnica, riesgo creativo y una visión clara de hacia dónde quiere llevar su obra. Sus proyectos no se limitan a seguir tendencias; las cuestionan, las reinterpretan y, en algunos casos, las superan.
Hay innovación en la forma, profundidad en el contenido y una energía que se percibe desde el primer contacto con su trabajo. Son creadores que no buscan agradar a todos, sino generar impacto, provocar emoción y dejar huella. Si buscas talento auténtico y propuestas que realmente te muevan, este es el momento de descubrirlos.
Entidad Emisora convierte la obsesión y el paso del tiempo en nervio indie con Hecho para Durar
Entidad Emisora presenta Hecho para Durar, su primer EP, un trabajo de cuatro canciones donde el indie rock funciona como una forma de hablar de la obsesión, el tiempo y todo aquello que se resiste a desaparecer. La banda madrileña apuesta por melodías inmediatas, guitarras afiladas y una producción orgánica que evita refugiarse únicamente en la nostalgia.
Formado por Dani a la voz y la guitarra, Jose al bajo, Martín a la guitarra y la producción, y Antón a la batería, el grupo nace después de años de trayectorias musicales paralelas. El punto de encuentro fue una colección de canciones que, sencillamente, merecía dejar de permanecer guardada.
Algunas cosas no sobreviven por accidente: están hechas para permanecer incluso cuando todo alrededor cambia.
El tema que da nombre al EP resume bien esa identidad. Inspirado libremente en el universo de Death Note, «Hecho para Durar» combina energía guitarrera y melodías directas con una letra atravesada por pactos, demonios y decisiones irreversibles.
Con referencias que van de The Strokes y Bodega a New Order, Crocodiles o Dover, Entidad Emisora construye un sonido reconocible, pero con personalidad propia. Hecho para Durar, publicado el 3 de julio, plantea una idea sencilla y poderosa: todavía quedan canciones capaces de resistir al desgaste del tiempo.
Atomsmasher muestra su lado más luminoso y emocional en «Angela»
Atomsmasher cambia de piel en «Angela», un sencillo que deja momentáneamente atrás la contundencia de sus guitarras para explorar un territorio más limpio, melódico y luminoso. Sintetizadores pulsantes, guitarras nítidas y armonías vocales conducen una canción de ritmo medio que mira hacia la new wave de finales de los setenta y comienzos de los ochenta, pero sin convertir la nostalgia en un simple ejercicio de estilo.
«No hay pose. No hay ironía. Sale directamente del corazón», explica Ed Erenberg.
Ese carácter abierto marca la principal diferencia respecto a buena parte del catálogo del grupo. Después de regresar en 2025 con Keep This Secret, su primer álbum en más de una década, la banda neoyorquina mantiene intacto su instinto para construir estribillos, aunque sustituye la tensión y el volumen por una emoción más inmediata.
Formados en New Rochelle, Atomsmasher han recorrido desde finales de los noventa distintos rincones del power pop, el rock alternativo y la experimentación. Ed Erenberg encabeza la formación junto a Brett Erenberg en los teclados, Matt DeSilva al bajo y Alex Erenberg en la batería.
«Angela» puede entenderse también como una nueva pieza dentro de una trayectoria que incluye discos como Up & Atom, All Around the World y Each Day Is Better Than the Next. Para completar el recorrido reciente conviene acercarse también a «Cartoon Violence» y «Lovely Head», dos canciones que muestran la cara más incisiva del grupo.
Rumour Den transforma la inquietud política en oscuridad contenida con «All In This Together»
Rumour Den regresa con «All In This Together», su tercer lanzamiento de 2026 y una nueva muestra del universo melancólico que AJ Gilmore y Steve Simms llevan construyendo desde Irlanda del Norte. La canción observa un presente marcado por la tensión ideológica, el miedo y la pérdida progresiva de libertades, alejándose de cualquier consigna fácil para instalarse en la duda y la incomodidad.
Gilmore, responsable de las letras y la voz, plantea una reflexión sobre los mecanismos del autoritarismo y la manera en que una sociedad puede terminar normalizando la vigilancia y la desconfianza. La inspiración parte, en parte, de una lectura sobre la Alemania Oriental y sobre cómo el beneficio personal podía convertir a los vecinos en informantes.
Cuando la seguridad comienza a justificarlo todo, la libertad puede desaparecer sin hacer demasiado ruido.
La música de Steve Simms acompaña ese discurso desde la contención. En lugar de imponer grandes gestos o solos excesivos, la guitarra construye un espacio sombrío donde las palabras pueden respirar, una característica que ya definía anteriores entregas como «Sea of Trees» y «Part of the Problem».
El dúo trabaja actualmente en Relapse, una colección prevista para finales de 2026 o comienzos de 2027 y grabada en Einstein Studios, Antrim, junto al productor Frankie McClay. El proyecto recupera materiales antiguos bajo una nueva identidad sonora y confirma que, para Rumour Den, la música sigue siendo tanto refugio como recaída.
Esteban Panadero desciende a las sombras del amor eterno con «Come Back»
Esteban Panadero se adentra en los territorios del post-punk y la dark wave con «Come Back», una canción construida alrededor de la ausencia, la memoria y la necesidad de reencontrarse con quien ya no está. Su historia parte del recuerdo persistente de un amor perdido: una presencia que continúa habitando la oscuridad hasta convertirse nuevamente en algo casi tangible.
Hay amores que no desaparecen con la muerte: simplemente aprenden a habitar las sombras.
Entre melancolía, romanticismo oscuro y una atmósfera sobrenatural, el protagonista lanza una llamada hacia lo desconocido. Cuando la figura amada reaparece, decide seguirla hacia las tinieblas, aceptando que el reencuentro solo puede producirse al otro lado de la realidad cotidiana.
«Come Back» aborda así el amor eterno desde una perspectiva trágica y espectral. Más que presentar la muerte como un final, la canción la transforma en una frontera que todavía puede cruzarse. Esteban Panadero encuentra en los códigos más sombríos del post-punk un espacio adecuado para hablar de duelo, deseo y entrega, componiendo una historia donde perderse en la oscuridad parece el único camino posible para volver a estar juntos.
Evolema retrata la espiral del consumo y la pérdida de control en «Me destruyo»
Evolema vuelve a mirar de frente las zonas más incómodas de la experiencia humana con «Me destruyo», un sencillo en el que el rock y el post-grunge funcionan como vehículo para una historia marcada por la dependencia, el deterioro emocional y las consecuencias que el consumo puede dejar en el entorno más cercano.
Compuesta por Rolando «Rolo» Ulloa y producida por Franco Gabelo, la canción apuesta por una narrativa directa, sin suavizar el conflicto que atraviesa su protagonista. La intensidad del grupo chileno acompaña una letra centrada tanto en la destrucción personal como en las heridas que se extienden hacia la familia y los afectos.
La caída nunca afecta únicamente a quien la protagoniza: también transforma todo lo que permanece a su alrededor.
El videoclip amplía esa lectura mediante una historia situada en La Casa Revueltas. Bajo la dirección de Daniel Pino, la pieza sigue a un hombre atrapado en el consumo, cuya percepción se descompone entre delirios paranoicos y situaciones límite. La frontera entre lo real y lo imaginado se vuelve cada vez más frágil hasta desembocar en un final abierto.
Con «Me destruyo», Evolema consolida una propuesta que encuentra fuerza en la crudeza y la honestidad, utilizando el lenguaje del rock para abordar un problema complejo sin convertirlo en espectáculo ni ofrecer respuestas fáciles.
Fifth Essence convierte el conflicto interior en intensidad cinematográfica con «Suppression»
Fifth Essence abre una nueva etapa con «Suppression», publicado el 12 de junio como primer movimiento visible de Borderline, un álbum conceptual dedicado a la salud mental, la resiliencia y las batallas que suelen permanecer ocultas. La canción sitúa al grupo en un territorio donde el heavy rock contemporáneo, las estructuras progresivas y las atmósferas cinematográficas se encuentran con una interpretación vocal cargada de tensión emocional.
Hay silencios que no protegen: solo aplazan el momento en que todo termina por romperse.
Lejos de concebir cada lanzamiento como una pieza aislada, Fifth Essence plantea un recorrido de diez canciones interconectadas que se extenderá hasta marzo de 2027. «Suppression» funciona así como la puerta de entrada a un universo narrativo en el que música, imagen y puesta en escena avanzan en paralelo.
El sonido de la banda encuentra puntos de referencia en formaciones como Tool, Within Temptation, Evanescence, Yes o Dream Theater, aunque su identidad nace del equilibrio entre contundencia, intimidad y vocación teatral. Esa dimensión también se trasladará al Becoming Tour 2026, concebido como una experiencia inmersiva en torno a los conflictos emocionales explorados en Borderline.
Después de «White Rabbit», homenaje al productor Justin Lassen, y del álbum acústico Nunki, Fifth Essence refuerza con «Suppression» una propuesta donde el rock no busca únicamente impactar, sino también poner palabras y sonido a aquello que cuesta expresar
Colmillo convierte el desasosiego generacional en distorsión y melodía con «Nunca Olvido»
Desde un Madrid áspero y desdibujado, Colmillo construye canciones para quienes sienten que avanzan sin llegar realmente a ninguna parte. Adrián, Jaime, Alejandro y Andrés sitúan su sonido en el punto donde las guitarras expansivas del shoegaze chocan con la inmediatez melódica del pop, dando forma a una propuesta que utiliza el ruido como refugio y como forma de expresión.
Su segundo sencillo, «Nunca Olvido», adelanta Una Vida Que No Entiendo, el álbum de debut que la banda prevé publicar a finales de 2026. La canción refuerza una identidad marcada por las murallas de distorsión, pero también por unas letras directas, sin voluntad de maquillar el malestar que atraviesa a buena parte de una generación.
Cuando el futuro deja de parecer una promesa, el ruido puede convertirse en una manera de seguir buscando sentido.
La precariedad social, el desamor y el hastío cotidiano aparecen como ejes de un proyecto que no pretende observar la realidad desde la distancia. Colmillo escribe desde dentro de esa ciudad que obliga a correr mientras todo parece permanecer inmóvil.
Con «Nunca Olvido», el grupo comienza a reclamar su espacio dentro del rock independiente en español. Su combinación de densidad sonora y pulso melódico encuentra fuerza precisamente en esa contradicción: canciones capaces de sonar enormes mientras hablan de vidas atravesadas por la incertidumbre.
Post Saudade retrata la fragilidad de los vínculos contemporáneos en «Modern Life»
Post Saudade presenta «Modern Life», primer adelanto de Primitive Internet, el álbum que la banda de Oporto publicará en noviembre. El sencillo observa las relaciones actuales desde una mirada ligeramente irónica: conexiones simplificadas, afectos temporales y vínculos que parecen reemplazables antes incluso de consolidarse.
La canción comienza con un pulso bailable, pero pronto se transforma en una pieza más pesada, oscura y melancólica. Capas de sintetizadores, armonías vocales, melodías de guitarra y una base contundente construyen una tensión constante entre el deseo de cercanía y el vacío emocional que atraviesa buena parte de la vida moderna.
Nunca habíamos estado tan conectados y, al mismo tiempo, tan cerca de convertir cada relación en algo provisional.
El videoclip, dirigido por Sebastião Guimarães a partir de una idea de Karoll Hernandez y rodado en Oporto, amplía esa contradicción mediante juegos de luz y oscuridad, proximidad y distancia, superficie y profundidad.
The Societiers cuestionan la obediencia silenciosa en «Puppets On A String»
The Societiers continúan dando forma a su universo de rock alternativo con «Puppets On A String», tercer corte de Apathy & Innocence, el EP publicado el 16 de junio de 2026. La canción se adentra en la complacencia, el privilegio y esas formas discretas de control que operan desde la política, la cultura y los hábitos cotidianos.
A veces, las cuerdas que condicionan nuestros movimientos son precisamente las que hemos dejado de ver.
El dúo británico-sueco, formado por Jens Ståhlstierna y Peter Briggs, construye su identidad a partir de guitarras melódicas, atmósferas envolventes y un componente psicodélico que añade profundidad a su discurso. Su música nace de una colaboración prolongada, interrumpida durante años y retomada en 2024, cuando ambos decidieron volver a trabajar juntos y mezclar ideas antiguas con una nueva etapa creativa.
Después de «I Can Be God» y «Johnny Can’t Wait», «Puppets On A String» refuerza el carácter reflexivo del proyecto. La canción no plantea una denuncia frontal, sino una observación más inquietante: la facilidad con la que ciertas estructuras terminan aceptándose como normales.
The Societiers convierten así la crítica social en una pieza de rock atmosférico y sugerente, capaz de combinar experiencia, melodía y una mirada incómoda sobre las fuerzas que moldean nuestras decisiones sin necesidad de hacerse visibles.
Tokyo Blues convierte «Ayatolá del Rock» en una descarga contra el autoritarismo y el elitismo musical
Tokyo Blues regresa con «Ayatolá del Rock», una canción que dispara contra quienes pretenden imponer reglas a una música nacida precisamente para romperlas. La banda madrileña mezcla hard rock, rockabilly y blues en una pieza de riffs acelerados, percusión de espíritu punk y una interpretación vocal tan teatral como desafiante.
El tema presenta a un tirano decidido a controlar el rock and roll, dictar cómo deben sonar los discos y castigar cualquier desviación de su criterio. Bajo esa caricatura se esconde una crítica al elitismo rancio que todavía sobrevive dentro del género, pero también una reflexión más amplia sobre el autoritarismo y la supresión de la libertad de expresión.
El rock pierde su sentido en cuanto alguien intenta convertirlo en obediencia.
La ironía, el humor corrosivo y las referencias a la cultura popular atraviesan una canción cuyo título remite al villano de Mad Max 2. Adrián, Henar, Arantxa y Fran construyen así un sonido directo y explosivo, alimentado por guitarras afiladas, bajo de herencia glam, armónicas desbocadas y una estética donde conviven las chaquetas de cuero, el cine de serie B y los garajes de paredes desconchadas.
«Ayatolá del Rock» resume bien el espíritu de Tokyo Blues: insolencia, nostalgia y ruido frente a cualquiera que pretenda ponerle una correa a la música.
MarysCreek abre una nueva etapa entre oscuridad, melodía y contundencia con The Beginning Of The End
MarysCreek regresa con The Beginning Of The End, su tercer álbum de estudio y una obra marcada por el peso de unos tiempos inciertos. Publicado el 3 de abril de 2026, el disco reúne riffs pesados, pasajes más contenidos y estribillos de vocación melódica, condensando buena parte de la identidad que la banda sueca ha construido durante más de dos décadas.
Incluso en los momentos más oscuros, una canción puede conservar la promesa de que todavía quedan días mejores.
Formados en 2004 en Mjölby y Linköping, MarysCreek nacieron del encuentro creativo entre Mats Nilsson y Stefan Halldin. Desde entonces, el grupo ha desarrollado un hard rock emocional y guitarrero, con referencias que pueden acercarlo a Europe, Dream Theater o Kamelot. Tras Some Kind of Hate e Infinity, este nuevo trabajo encuentra a la formación más madura, pero sin renunciar a la energía que siempre ha definido sus directos.
«The Curse» y «Damnation» funcionan como dos de las puertas de entrada al álbum. La primera destaca por su impacto inmediato y sus grandes guitarras; la segunda refuerza el tono sombrío que recorre el conjunto.
Grabado por Johan Rapp y Mats Nilsson, y masterizado por Niels Nielsen, The Beginning Of The End confirma que MarysCreek no entiende la experiencia como una forma de acomodarse, sino como combustible para seguir avanzando.
Afterwise transforma el peso y la belleza en un viaje instrumental con Disintegration
Desde Atenas, Afterwise debuta con Disintegration, un álbum que explora el punto exacto en el que la amplitud cinematográfica del post-rock se encuentra con la contundencia del post-metal. Publicado el 9 de junio de 2026, el trabajo reúne seis composiciones instrumentales construidas a partir de contrastes: pasajes delicados que desembocan en estallidos de intensidad, texturas expansivas y crescendos capaces de narrar sin recurrir a una sola palabra.
Cuando la música prescinde de la voz, cada cambio de intensidad puede convertirse en una historia propia.
Formada en 2021, la banda griega plantea cada pieza como un recorrido emocional y físico. En Disintegration, la belleza no funciona como alivio frente al peso, sino como parte de la misma tensión. Esa dualidad sostiene un disco que avanza entre la calma, la amenaza y la liberación, invitando al oyente a completar con sus propias imágenes aquello que los instrumentos apenas sugieren.
La grabación y mezcla corrieron a cargo de Jim Spanos en Blackbox Studio, con una producción detallada que permite apreciar tanto la densidad de los arreglos como la dinámica de las interpretaciones.
El álbum tendrá además edición en vinilo en septiembre de 2026, fruto de la colaboración entre Dunk!Records y Blackbox Records. Con Disintegration, Afterwise firma una presentación sólida y sitúa su nombre entre las propuestas emergentes más expresivas del post-rock y post-metal instrumental europeo.
Velvia convierte una despedida inevitable en movimiento con «Gigante Daño»
Velvia presenta «Gigante Daño», su segundo sencillo y una nueva muestra del universo de pop electrónico que Uriel está construyendo desde Madrid. La canción parte de una situación reconocible y dolorosa: ese momento en el que una relación ya ha cambiado, aunque nadie se atreva todavía a ponerle un final.
La letra evita el dramatismo excesivo y se concentra en una lucidez más incómoda. El protagonista sabe que ya no siente lo mismo, pero continúa estirando el vínculo entre risas, noches compartidas y una certeza que cada vez pesa más.
A veces, el daño no empieza con la despedida, sino mucho antes, cuando ambos saben que algo ha terminado y deciden seguir fingiendo.
En lo musical, «Gigante Daño» transforma esa tensión en movimiento. Sintetizadores, guitarras eléctricas y un pulso funky sostienen un groove que crece progresivamente hasta encontrar un equilibrio entre melancolía y deseo de bailar. Esa dualidad define buena parte del tema: puede escucharse en soledad, con auriculares, pero también tiene la energía suficiente para expandirse en directo.
Con influencias cercanas al indie nacional y una producción pensada para conectar emoción y ritmo, Velvia avanza hacia un sonido propio donde la tristeza no se detiene, sino que aprende a bailar.
What! convierte la madurez en ruido, electrónica y pulsión experimental con The Party Rightz Club!!!
Andrés Whatever recupera su alter ego más imprevisible con The Party Rightz Club!!!, un nuevo álbum de What! publicado el 3 de julio de 2026. El músico y productor andaluz canaliza años de experiencia en la escena alternativa hacia una obra difícil de encerrar en una sola etiqueta, atravesada por la electrónica, el noise y una actitud decididamente experimental.
El disco levanta un muro de sintetizadores analógicos distorsionados, texturas abrasivas y ritmos frenéticos. Bajo esa superficie contundente aparecen también letras centradas en la madurez y en la necesidad de aceptar el paso del tiempo sin caer en la obsesión por prolongar artificialmente la juventud.
Envejecer también puede ser un gesto de rebeldía cuando todo alrededor exige permanecer eternamente joven.
La trayectoria de Andrés Whatever ayuda a entender la intensidad del proyecto. Su recorrido pasa por el thrashcore de Brutal Thin, la fuerza de Kill Kill! —también conocidos como Mata Mata— y Hyper Talbot, además de la libertad creativa de Gentemayor. En What!, toda esa experiencia se transforma en una descarga electrónica más ácida y abstracta.
Preproducido en casa y posteriormente grabado, mezclado y masterizado por Rafa Camisón en Estudio Bisonte, The Party Rightz Club!!! encuentra coherencia dentro del caos. Su portada, con un marco clásico cubierto de pintura fluorescente, resume bien su propuesta: intervenir lo establecido hasta convertirlo en algo incómodo, físico y nuevo.
Purse Thief explora la belleza peligrosa del rock and roll en «Modern Lover»
Desde el subsuelo musical de Nuevo México emerge Purse Thief, una formación que presenta sus primeras credenciales con «Modern Lover». El sencillo observa el rock and roll desde una posición tan fascinada como consciente de sus riesgos: celebra su capacidad para seducir, liberar y desordenar la vida, pero también reconoce las trampas que pueden esconderse detrás de esa intensidad.
El rock and roll conserva su magnetismo porque nunca ha dejado de caminar sobre una línea peligrosa.
La escritura del vocalista Rafael Vigilantics ocupa el centro de una canción guiada por una sensibilidad poética y una mirada inquieta. «Modern Lover» traza un recorrido creativo que conecta la profundidad emocional de Joni Mitchell con la cercanía narrativa y el carácter espontáneo de Jonathan Richman, dos referencias alejadas entre sí que aquí sirven para delimitar un territorio propio.
Más que reproducir una nostalgia concreta, Purse Thief parece interesado en recuperar la esencia imprevisible del género: canciones capaces de resultar hermosas sin dejar de mostrar sus aristas. Con «Modern Lover», el grupo firma un debut que entiende el rock no como una pose, sino como un espacio donde deseo, peligro y vulnerabilidad todavía pueden convivir.
Zircon Skyeband convierte Under the Covers en una historia de amor llegada desde otra dimensión
Zircon Skyeband presenta Under the Covers, un EP de cinco canciones publicado en julio de 2026 que transforma el formato de versiones en una pequeña aventura narrativa. El grupo imagina un romance interplanetario entre Lance Zircon y Zara, una enigmática visitante extraterrestre, mientras recorre distintos paisajes del pop, el rock y la psicodelia.
Algunas historias de amor no necesitan pertenecer al mismo planeta para resultar cercanas.
El viaje comienza con «Peaches», convertida en una descarga veraniega de espíritu punk, bajo impulsado y guitarras luminosas. «Do Ya?!» recupera la energía de la composición de Jeff Lynne mediante ritmos vivos, capas vocales y una producción saturada de electricidad. En «Breakfast in Bed», la banda baja la intensidad para explorar una atmósfera más cálida y sensual, sostenida por la voz de Steph Johnson y unos arreglos de viento de carácter melódico.
El repertorio también incluye «Ballad of El Goodo» y culmina con «Protection», la única pieza original del lanzamiento. Esta última concentra el lado más reconocible del proyecto: groove infeccioso, instrumentación expresiva y una estética que mezcla romanticismo, fantasía y humor.
Con Under the Covers, Zircon Skyeband no se limita a reinterpretar canciones ajenas. El grupo las integra en su propio universo y las convierte en capítulos de una historia tan excéntrica como afectuosa.
Endless retoma una historia interrumpida con la energía intacta de «Is It Right?»
Endless vuelve a poner en marcha una historia que comenzó en 1992 en Angoulême, Francia, entre guitarras altas, amistad y conciertos en bares y festivales locales. Después de veinticinco años de pausa, los cinco miembros originales decidieron reunirse para grabar las canciones que habían escrito cuando todavía eran adolescentes.
«Is It Right?» ocupa un lugar especial dentro de ese regreso. La canción nació durante sus años de instituto y solía abrir los conciertos de la banda, convirtiéndose en una declaración inmediata de intenciones: rock directo, instintivo y sin artificios.
Hay canciones que no envejecen porque nunca dejaron de pertenecer a quienes las escribieron.
El tema conserva la crudeza y la energía de los años noventa, con una base de rock clásico y hard rock que evita cualquier intento de modernización forzada. Más que reconstruir el pasado, Endless parece continuar exactamente desde el punto en el que lo dejó, manteniendo la química y la complicidad que dieron origen al grupo.
El regreso no se detendrá aquí. La banda ya prepara nuevos lanzamientos como «Lately» y «Fear for You», ampliando una etapa que demuestra que algunas historias musicales no terminan: simplemente esperan el momento adecuado para volver a sonar.
The Silver Bars convierten la huida y el duelo en impulso narrativo con «The King of Peru»
The Silver Bars presentan «The King of Peru», la canción que abre Hit the North, su álbum de debut. El tema parte de una idea de escape, pero no la aborda como una simple fuga: la convierte en un recorrido por la reinvención, la ambición y esos lugares inesperados a los que puede conducir el duelo.
La banda británica combina un indie rock enérgico y melódico con una escritura cargada de imágenes. Costas que se desmoronan, trayectos ferroviarios por Reino Unido y la figura del conquistador Lope de Aguirre aparecen dentro de una narración que comienza en lo histórico y termina desplazándose hacia un terreno profundamente personal.
A veces, escapar no consiste en desaparecer, sino en inventar una nueva versión de uno mismo.
Musicalmente, «The King of Peru» avanza con urgencia, grandes melodías y un pulso capaz de sostener el peso literario de la letra sin perder inmediatez. The Silver Bars encuentran así un equilibrio entre el gancho del indie rock y una forma de contar historias donde los personajes, los paisajes y las referencias no funcionan como adornos, sino como parte esencial del viaje.
Como primera pista de Hit the North, la canción actúa también como declaración de intenciones: guitarras vivas, narrativa detallada y una mirada atenta a las ruinas emocionales que dejamos atrás al intentar empezar de nuevo.
HVCK FYNN convierte «Time Machine» en un viaje entre la memoria, la fantasía y el regreso a casa
HVCK FYNN abre una nueva etapa con «Time Machine», sencillo publicado el 9 de mayo de 2025 y concebido como la primera señal de su siguiente ciclo creativo. La canción continúa el imaginario viajero de una banda que encuentra inspiración en Huckleberry Finn, el joven aventurero de Mark Twain, para explorar territorios lejanos y paisajes interiores donde la realidad y la fantasía terminan confundiéndose.
Algunas canciones no sirven para volver al pasado, sino para comprender desde dónde hemos llegado.
El proyecto nacido en Lucerna gira alrededor de Peter Steger y Michel Gsell, también conocido como Guy Vincent. Su propuesta combina estrofas de arreglos versátiles y juguetones con estribillos amplios y definidos, manteniendo siempre una sensación de refugio incluso cuando las canciones se adentran en espacios inciertos.
Desde el impacto de «Bonfire», incluida en el EP Go Far, HVCK FYNN ha construido una discografía marcada por lanzamientos como la trilogía formada por «Lose Control», «Here We Are» y «Right Time», el EP Fight The Evil y el álbum View On The Ocean.
«Time Machine» también ocupará un lugar central en el concierto del 18 de junio en el Konzerthaus Schüür de Lucerna, donde la banda actuará en formato de quinteto y presentará en directo otras composiciones nuevas.
Jerz & The FatMan convierten años de experiencia en una identidad sonora sin fronteras
Jerz & The FatMan han construido su trayectoria desde la paciencia, la amistad y una forma de entender la producción como algo que nace del instinto antes que de la fórmula. Kevin «Jerz» May y Kenneth «The FatMan» Wynn se conocieron en 2002 en Nueva Jersey, unidos por una pasión común por la música. Dos años después comenzaron a crear juntos, aunque la distancia interrumpió temporalmente aquel impulso inicial.
El reencuentro llegó en 2007. Instalados en el sur de Nueva Jersey, levantaron un estudio doméstico y pasaron incontables horas perfeccionando su sonido. Incluso el nombre del dúo nació como una broma, pero terminó definiendo una asociación creativa con personalidad propia.
Algunas identidades musicales no se diseñan: aparecen después de años de trabajo compartido.
Su recorrido incluye trabajos vinculados a la gira Ecstatic de Mos Def —actualmente Yasiin Bey— y al tour de NBA Jam de EA Sports, además de producciones para artistas como Treach, Cyhi da Prynce, Rahman Apollo, Dynasty, I-20 o Anwar Supastar.
La música de Jerz & The FatMan combina sensibilidad clásica, pulso contemporáneo y una versatilidad que se mueve del hip-hop al country sin perder coherencia. Más que perseguir un único género, el dúo trabaja desde una idea amplia de producción: crear bases con carácter, espacio narrativo y la capacidad de adaptarse a voces todavía conocidas o aún por descubrir.
Kopenhague lleva el pulso del sur al indie rock con aroma a carretera y sal
Kopenhague nació en 2024 en Jerez de la Frontera, en un paisaje creativo atravesado por carreteras polvorientas, vientos de Levante, agua salada y aroma a Palo Cortado. Esa identidad sureña no funciona únicamente como escenario: también marca el carácter de una banda que busca transformar su entorno en canciones directas, enérgicas y reconocibles.
Formada por Jose, Javi, Ramón y Charlie, la banda combina la fuerza y la aspereza del rock de los noventa con la frescura melódica que definió buena parte de la escena indie española de los años 2000. Dos épocas distintas que convergen en un sonido con vocación contemporánea, pero conectado con las guitarras y los estribillos que han acompañado al grupo desde sus primeros referentes.
Su propuesta recoge la complicidad de cuatro amigos y la traslada a un indie rock de personalidad marcada, construido desde el sur y alejado de cualquier sensación de artificio. Kopenhague comienza así su recorrido con una imagen clara: kilómetros por delante, guitarras encendidas y el Levante empujando cada canción.
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