Blog
Recomendaciones musicales semana 33 (2026)
Esta semana ponemos el foco en una selección de artistas que merece ser escuchada con atención. Proyectos que llegan con personalidad, criterio y una forma muy clara de entender la música.
Aquí no hay fórmulas vacías ni intentos de encajar en lo que ya funciona. Hay canciones con intención, discursos propios y una búsqueda artística que se nota en cada detalle. Algunos sorprenden por su sonido, otros por la manera de contar, y otros por esa capacidad difícil de explicar: la de quedarse contigo después de la primera escucha.
Son propuestas que avanzan sin miedo, mezclando influencias, rompiendo moldes y defendiendo una identidad reconocible. Artistas que no están aquí para rellenar listas, sino para abrir camino.
Si te apetece descubrir música con carácter, sensibilidad y algo real que decir, esta selección es un buen punto de partida.
Cada uno destaca por un lenguaje artístico bien definido, capaz de combinar técnica, riesgo creativo y una visión clara de hacia dónde quiere llevar su obra. Sus proyectos no se limitan a seguir tendencias; las cuestionan, las reinterpretan y, en algunos casos, las superan.
Hay innovación en la forma, profundidad en el contenido y una energía que se percibe desde el primer contacto con su trabajo. Son creadores que no buscan agradar a todos, sino generar impacto, provocar emoción y dejar huella. Si buscas talento auténtico y propuestas que realmente te muevan, este es el momento de descubrirlos.
Patiele convierte la urgencia de sobrevivir en épica emocional con «Tragedia en los Multicines Centro»
Patiele presenta «Tragedia en los Multicines Centro», una canción en la que la acción cinematográfica, la ternura y la imaginación conviven bajo una sensación constante de emergencia. El tema retrata el impulso de seguir avanzando cuando detenerse parece imposible: ese “no puedo parar” ligado a la supervivencia, capaz de sostenerte y desgastarte al mismo tiempo.
Aunque es el tercer single publicado de Patiele, la canción ocupa el Capítulo 02 de Música de estadios. La alteración del orden forma parte del propio diseño de la obra: cada lanzamiento revela una zona distinta de un ciclo cerrado de trece canciones cuyo mapa completo permanecerá oculto hasta el final.
A veces, continuar no es una decisión heroica, sino la única forma posible de mantenerse en pie.
Patiele se construye como un proyecto donde el rock alternativo dialoga con la identidad, la tecnología, el cuerpo, el lenguaje y la recuperación de agencia. Detrás de él se encuentra Ama Eme, artista, compositora, productora y desarrolladora de sistemas, responsable de escribir, interpretar y producir todas las canciones del ciclo.
La dimensión pública del proyecto se articula mediante IRIS, un sistema autónomo diseñado para analizar, registrar y ejecutar tareas sin intervenir en la creación musical. Así, Patiele convierte lo personal, lo político y lo artístico en un lenguaje propio, atravesado por una pregunta que recorre toda la obra: quién tiene derecho a definir lo que somos.aces de resistir al desgaste del tiempo.
Oro Rubí y Bendita Juana atraviesan la frontera entre realidad y sueño en «Entre la niebla»
Oro Rubí une fuerzas con Bendita Juana en «Entre la niebla», una balada de pulso expansivo que envuelve su sensibilidad rock en atmósferas heredadas del trip hop y el britpop de los años noventa. Violines envolventes, guitarras afiladas y la calidez difusa del melotrón construyen un paisaje suspendido, a medio camino entre la vigilia y el sueño.
La canción conecta el gusto por las texturas de Moby, The Verve o Massive Attack con la tradición emocional del rock en castellano representada por Charly García, Luis Alberto Spinetta y Gustavo Cerati. El resultado no se limita a mirar hacia atrás: también dialoga con el presente de artistas como Iván Ferreiro, Xoel López, Zoé o Él Mató a un Policía Motorizado.
Hay canciones que no disipan la niebla: enseñan a caminar dentro de ella.
Afincado en Madrid, Oro Rubí está formado por Lucas Bauer, Martín Santisteban y Santiago Marín. Su música nace de la amistad y de una experiencia compartida dentro del rock, abierta al stoner, el sonido británico, la escena argentina y el indie en español.
Bendita Juana aporta la sensibilidad del dúo formado por la cantante y actriz Gisela Novais y el guitarrista y productor Lucas Bauer, donde el folk rioplatense se encuentra con el pop alternativo. Producida en Etiqueta Negra Estudios, mezclada por Carlos Angola y masterizada en Black Box Mastering, «Entre la niebla» convierte ese cruce de caminos en un refugio sonoro del que cuesta regresar.ás incisiva del grupo.
Subterranean Street Society convierte el miedo a perderse en folk-grunge expansivo con «Indispensable Love»
Subterranean Street Society presenta «Indispensable Love», una canción que parte de una cita romántica en el Amsterdam Marionette Theatre para enfrentarse a una certeza mucho más difícil: tarde o temprano, incluso las personas que se aman tendrán que separarse.
El trío danés-neerlandés transforma esa idea en una pieza de crecimiento progresivo. La instrumentación avanza con una energía luminosa, suma capas de percusión y se eleva mediante melodías de armónica que acercan el tema a una dimensión casi épica. Sin embargo, un giro en la letra interrumpe ese impulso y deja a la banda fuera de la mezcla, creando un vacío que refuerza el peso emocional del relato.
Amar también significa aceptar que nada puede conservarse para siempre.
Afincados en Ámsterdam, Subterranean Street Society combinan la energía cruda del grunge con la narración íntima del folk. Entre guitarras difusas, cambios de intensidad y letras confesionales, su sonido se mueve entre la fragilidad y la explosión, en un territorio situado entre Nirvana y Mumford & Sons. «Indispensable Love», publicado el 17 de julio, convierte una escena aparentemente sencilla en una reflexión sobre el amor, la pérdida y la imposibilidad de detener el tiempo.
Tiger Island convierte la solidaridad frente al acoso en energía garage punk con «Comments Boy»
Tiger Island centra su último lanzamiento en «Comments Boy», una canción que transforma una escena incómoda y cotidiana en una respuesta directa, irónica y llena de nervio. El tema funciona como la versión musical de ese amigo que se interpone cuando alguien no deja de molestarte y le invita a desaparecer, pero sin perder la sonrisa.
La banda de Yorkshire mantiene aquí el pulso frenético que define Let’s Go Out, su álbum debut: guitarras ásperas, melodías inmediatas y una mezcla de garage punk y power pop que evita cualquier solemnidad. Bajo su tono divertido, «Comments Boy» habla de límites, apoyo mutuo y de la importancia de no dejar sola a una persona cuando una situación comienza a resultar incómoda.
A veces, cuidar de alguien consiste simplemente en ponerse a su lado y decir: hasta aquí.
El sonido de Tiger Island recoge la energía de Hot Snakes, Murder City Devils y Wipers, pero también el brillo pop de The Cars, The B-52s y Blondie. Esa combinación permite que la canción conserve su mordiente sin renunciar al gancho ni al humor.
Incluida en Let’s Go Out, publicado por Reckless Yes, «Comments Boy» resume bien el espíritu del grupo: canciones veloces, feroces y cercanas que celebran la amistad, la comunidad y la necesidad de enfrentarse al mundo junto a otras personas.
Mama No Likey convierte el miedo y la euforia en un impulso vital con «Alive»
Mama No Likey regresa con «Alive», una canción de rock moderno que explora la tensión entre aquello que nos asusta y lo que, precisamente por esa intensidad, consigue hacernos sentir plenamente vivos. El tema parte de una relación nociva que termina transformándose en una experiencia capaz de despertar, sacudir y empujar a sus protagonistas fuera de la zona de confort.
La canción avanza sobre una base de baterías contundentes, guitarras expansivas y un estribillo diseñado alrededor de una única palabra: “alive”. Esa energía se combina con una mirada más vulnerable, centrada en las personas y experiencias que obligan a enfrentarse a las partes más inciertas de uno mismo.
A veces, lo que más nos intimida también es lo que nos devuelve el pulso.
Para este lanzamiento, Mama No Likey ha contado con el vocalista Cameron Morris, cuya interpretación aporta intensidad y fragilidad al relato. La colaboración supone además la primera ocasión en que el proyecto trabaja con una voz principal masculina, abriendo una nueva etapa dentro de su evolución sonora.
Formado de manera fortuita en un local de ensayo de Los Ángeles, el grupo está impulsado por el batería y compositor Will Haupricht y el guitarrista Troy Gale. Sus canciones combinan ritmos marcados por el hip hop de los noventa y el funk rock con guitarras de raíz blues. En «Alive», esa mezcla encuentra un equilibrio entre potencia, emoción y una idea sencilla: aceptar la incertidumbre también puede ser una forma de elegir la vida.
«Ingravidez», y como Humo Sapiens convierte la memoria y el paso del tiempo en un refugio emocional
Humo Sapiens regresa con «Ingravidez», una canción que contempla la memoria como un lugar al que volver cuando el presente pesa demasiado. El nuevo sencillo de la banda toledana habla de libertad, soledad y ausencia, pero también de la capacidad de los recuerdos para mantener vivos ciertos vínculos frente al desgaste del tiempo.
La letra avanza entre cuatro paredes, paisajes marinos, barcos que se alejan y atardeceres reflejados sobre el agua. Esa sucesión de imágenes construye un espacio suspendido entre la realidad y el sueño, donde la espera se convierte en una forma de resistencia y el deseo de reencontrarse conduce hasta esa ingravidez que da nombre a la canción.
Hay recuerdos que no pertenecen al pasado: siguen siendo el lugar donde todavía podemos encontrarnos.
Publicado el 12 de junio de 2026, el tema ha sido grabado de manera artesanal entre JennyRecords, en Toledo, y Moera Records, en Tarragona. La participación de Xavi Moera y Nando G., cantante y guitarrista de La Fuga, amplía la dimensión emocional de una pieza construida desde la calma y sin necesidad de artificios.
Formada en Toledo en 1998, Humo Sapiens ha desarrollado una identidad propia dentro del rock alternativo y el indie rock. Su música parte de la amistad y de la necesidad de traducir en canciones aquello que resulta difícil explicar. Con «Ingravidez», el grupo vuelve a mirar hacia lo cotidiano para encontrar belleza incluso en la pérdida, el vértigo y la fragilidad de lo efímero.
Lastres de la Mañana retuerce los clásicos en Mi Mejor Versión
Lastres de la Mañana presenta Mi Mejor Versión, un segundo EP construido a partir de títulos que forman parte del imaginario popular en castellano, pero trasladados a un universo paralelo dominado por el punk, el funk y un sentido del humor deliberadamente absurdo.
El dúo, formado por dos amigos de Badajoz afincados en Valencia, nació hace un año alrededor de juegos de palabras surgidos en la mesa de un bar. Tras debutar en noviembre de 2025 con Beber Delata, un trabajo centrado por completo en la temática alcohólica, esta vez cambia de dirección sin renunciar a la irreverencia.
Algunas canciones sobreviven al tiempo; otras regresan convertidas en un chiste inesperado.
«Duro de pelar» adopta un aire de spaghetti western para hablar de alguien incapaz de quedarse quieto en la peluquería, mientras «Cien gaviotas» mezcla punk rock y rockabilly para reformular la conocida pregunta de Duncan Dhu. En «Sin Pijama», la electrónica y una atmósfera más oscura acompañan una combinación improbable de paso del tiempo, inteligencia artificial y una lavadora que se niega a abrirse.
El EP también incluye la contundente «Salta!!!», dedicada al caos de aparcar en paralelo con ayuda poco fiable, y «Ni Una Sola Palabra», que lleva su propio título hasta sus últimas consecuencias al prescindir de voz. Mi Mejor Versión convierte la parodia musical en un lenguaje propio, rápido, descarado y difícil de anticipar.
«Soundtrack of Today»: Zeit Driver busca silencio dentro del ruido urbano
Zeit Driver presenta «Soundtrack of Today», un nuevo adelanto de su próximo álbum debut y una inmersión directa en la saturación de la vida contemporánea. La banda berlinesa construye la canción sobre un muro de sonido compacto y uno de los riffs más cercanos al stoner rock de todo el disco.
El tema retrata el intento de aislarse del ruido constante de la ciudad, la sobreestimulación diaria y una rutina que parece repetirse sin salida. Esa sensación de encierro encuentra su reflejo en una instrumentación densa y persistente, donde la fuerza del desert rock convive con una melancolía de raíz grunge.
Hay días en los que el verdadero desafío no es escuchar más, sino encontrar un lugar donde todo deje de sonar.
Formada por Jelle Jongmans a la voz, Jeremy Maar a la guitarra, Martin Krumpf al bajo y Levin Peetz a la batería, Zeit Driver combina la oscuridad emocional de Alice in Chains con el impulso rítmico de Queens of the Stone Age. Tras publicar un EP y cinco sencillos, el grupo concentra ahora su atención en un primer álbum previsto para finales de 2026.
Intro Outro mira hacia adelante con el pulso veraniego de «Look Up!»
Intro Outro presenta «Look Up!», un nuevo sencillo en inglés que convierte el acto de soltar, levantar la cabeza y dejarse llevar en una descarga luminosa de indie rock. La banda de Münster, Alemania, envuelve ese mensaje en guitarras finamente distorsionadas, ritmo bailable y una energía que remite al rock alternativo de los años noventa y dos mil.
La canción avanza con una atmósfera positiva y veraniega, apoyada en un estribillo pensado para cantarse en voz alta. Entre el pop rock, el power pop y el alternative, «Look Up!» recupera la inmediatez melódica de bandas como Weezer, Jimmy Eat World y Placebo sin perder una identidad propia, optimista y directa.
A veces, seguir adelante comienza con un gesto tan sencillo como levantar la mirada.
El tema habla de aceptar lo que no puede controlarse y continuar sin quedar atrapado en el peso de lo anterior. Esa idea encuentra su reflejo en una instrumentación que no busca la melancolía, sino el movimiento: guitarras abiertas, melodías accesibles y una sensación constante de impulso.
Con «Look Up!», Intro Outro firma una canción honesta y contagiosa, capaz de unir la fuerza del rock alternativo con el espíritu despreocupado de una tarde de verano.
Entre el romanticismo y la amenaza: The Days Away deja el final abierto en «Only Heaven Knows»
The Days Away presenta «Only Heaven Knows», su quinto sencillo, una pieza de indie rock que avanza entre la devoción, el deseo y una incertidumbre cada vez más inquietante. Inspirada por el cine gótico clásico, la canción transforma una historia de anhelo romántico en un relato donde la cercanía empieza a resultar difícil de interpretar.
La letra sigue a un narrador cuya obsesión crece paso a paso: primero espera junto al teléfono, después aparece ante una puerta y finalmente permanece oculto entre las sombras. Ese recorrido convierte la canción en una pequeña secuencia cinematográfica, sostenida por melodías atmosféricas y una tensión que aumenta sin necesidad de revelar todas sus respuestas.
Hay sentimientos que, cuando se acercan demasiado, dejan de parecer amor y empiezan a proyectar una sombra.
La banda de Chicago evita cerrar el relato de forma definitiva. «Only Heaven Knows» permite que cada oyente decida si su protagonista es un romántico desesperado, una figura amenazante o alguien atrapado en un punto intermedio entre ambos extremos.
Publicado el 17 de junio, el sencillo muestra a The Days Away explorando una faceta más oscura y narrativa. La canción no busca resolver el misterio, sino prolongarlo hasta el último instante, dejando que la devoción y el peligro compartan el mismo espacio.
«The Baron’s Song»: River Morris pone voz al cinismo climático desde el rock alternativo
River Morris Band presenta «The Baron’s Song», una pieza de rock alternativo que utiliza la sátira para retratar la lógica de quienes reconocen el daño ambiental y, aun así, continúan justificándolo. La canción adopta la voz de los lobbies petroleros y convierte sus propias excusas en el centro de la crítica.
El estribillo se apoya en una idea tan simple como inquietante: seguir destruyendo porque “alguien más lo hará” si uno decide detenerse. A partir de ahí, la letra acerca las consecuencias al presente mediante referencias a las cúpulas de calor, los arrecifes de coral, la inflación y la circulación atlántica.
Cuando todos esperan que otro renuncie primero, el desastre termina pareciendo una decisión compartida.
El origen del tema apareció mientras River Morris escuchaba la versión de Kurt Cobain de «The Man Who Sold the World», de David Bowie. La pregunta sobre quién está vendiendo realmente el mundo hoy condujo a la frase “Atlantic Circulation – Cardiac Arrest”, que terminó actuando como detonante creativo.
Escrita por River Morris y producida por River Morris Band, con asistencia y asesoramiento de masterización de Wendy Morris Band, «The Baron’s Song» fue publicada el 27 de julio de 2026. La canción transforma la denuncia climática en un relato incómodo, irónico y directo, donde la verdadera amenaza no es la ignorancia, sino la capacidad de comprender las consecuencias y continuar como si nada.
RISE recupera «Hard To Leave You» con la intensidad que pedía la canción
RISE revisita «Hard To Leave You» a través de Barbarian Mix, una nueva versión que recupera la energía y la agresividad que la banda sentía ausentes en la grabación original. Publicada por primera vez en 2024 dentro del EP Memories and Possibilities, la canción regresa ahora con un sonido más cercano a la fuerza que adquiere sobre el escenario.
El tema aborda ese momento incierto en el que una relación parece haber llegado a su final, aunque marcharse continúa resultando doloroso. La letra evita ofrecer una respuesta definitiva y permanece suspendida entre dos posibilidades: abandonar el vínculo o intentar permanecer un poco más.
Algunas despedidas comienzan mucho antes de que alguien encuentre el valor para marcharse.
La interpretación vocal de Sam Kinley, conocido como stayMellow, sostiene buena parte de la carga emocional de la canción. A su alrededor, el trabajo de guitarra de Brian Petch gana presencia y detalle, mientras los sintetizadores, la batería y los coros completan ese sonido amplio y reconocible que RISE ha desarrollado durante años de conciertos.
Escrita por Paul Kinley, «Hard To Leave You» fue grabada en Whitewood Studios, Liverpool, y producida por el propio Kinley junto a Rob Whiteley. La formación se completa con Alex Mahoney a la batería y Paul Kinley a los teclados y coros.
Publicada el 24 de julio de 2026, esta nueva mezcla no pretende sustituir el pasado, sino mostrar la canción con el pulso que siempre tuvo en directo: urgente, melódico y atravesado por una decisión que continúa sin resolverse.
«Indecision»: Blister lleva la ansiedad del cruce de caminos al garage rock
Blister presenta «Indecision», primer sencillo de numb, su álbum debut, con una descarga de garage rock crudo que convierte la duda en ruido, velocidad y tensión. El dúo de Raleigh evita cualquier acabado excesivamente limpio y apuesta por conservar la suciedad, el sudor y la energía física del espacio donde fue grabado.
Bajos cargados de fuzz, riffs ásperos, baterías contundentes y una producción en forma de muro de sonido sostienen una canción pensada para sentirse tanto como para escucharse. Los ganchos vocales aportan una dimensión casi hímnica sin suavizar el carácter directo de la interpretación.
Quedarse atrapado entre dos caminos también puede sonar como una habitación a punto de estallar.
La banda describe «Indecision» como una representación de lo que supone permanecer ante una encrucijada: una experiencia rápida, abrumadora y difícil de ordenar. Esa fricción se extiende por numb, concebido como una instantánea de la confusión y el desgaste emocional sin pulir sus bordes.
Blister recoge la ética del punk clásico y la traslada a una distorsión propia del rock alternativo contemporáneo. Publicado el 31 de julio de 2026, «Indecision» funciona como una presentación precisa de su identidad: canciones nacidas del feedback, la urgencia y una química en directo que rehúye cualquier artificio
Velvia rompe el bucle de la traición en la oscuridad electrónica de «Círculos»
Velvia se adentra en un territorio más sombrío con «Círculos», un nuevo sencillo donde el pop electrónico abandona cualquier sensación de ligereza para internarse en la rabia, la incredulidad y el dolor que puede dejar la traición de una amistad.
La canción retrata ese momento en el que la mente vuelve una y otra vez al mismo punto, incapaz de abandonar lo ocurrido. La producción traduce esa fijación en movimiento mediante loops de batería electrónica que funcionan como un pulso insistente, arpegiadores envolventes y bajos de sintetizador de gran presencia.
Hay heridas que no avanzan en línea recta: obligan a recorrer el mismo círculo hasta encontrar la salida.
El proyecto madrileño utiliza el synth-pop como punto de partida, pero endurece su lenguaje con una atmósfera nocturna y combativa. La tensión inicial va transformándose progresivamente en una necesidad de liberación, haciendo que «Círculos» no permanezca únicamente en el resentimiento, sino que avance hacia la posibilidad de sanar.
Con este lanzamiento, Velvia amplía los límites de su propuesta electrónica y encuentra en la oscuridad un espacio especialmente expresivo. «Círculos» habla de quedarse atrapado en una idea, pero también del instante en que ese mismo bucle comienza, finalmente, a romperse
James Tonic abre una nueva etapa de dream pop melancólico con «Us Two»
ames Tonic presenta «Us Two», una balada de dream pop que mezcla romanticismo, melancolía y una sensación de drama contenido. El artista criado en Montreal construye la canción a partir de armonías vocales superpuestas, sintetizadores cálidos y cuerdas suaves, creando una atmósfera envolvente y emocional.
El sencillo continúa el camino abierto por «Who’s Going Down» y «How It Goes», y conecta con el universo de Safety y Safety II. Su sonido se mueve en un terreno cercano a Fleetwood Mac, Mild High Club o Beach House, pero mantiene esa inclinación de Tonic por las composiciones atmosféricas y de pulso íntimo.
Hay amores que no necesitan levantar la voz para dejar una huella profunda.
Publicado el 6 de agosto de 2026, «Us Two» funciona además como puerta de entrada a una nueva etapa escénica. Este invierno, James Tonic llevará Safety y Safety II a los teatros con Safety Tour, un espectáculo planteado como un musical de dream pop que recorrerá 18 ciudades entre diciembre de 2026 y febrero de 2027.
Con siete álbumes publicados y una trayectoria construida alrededor de canciones melancólicas y cuidadosamente producidas, James Tonic encuentra en «Us Two» una pieza de transición: íntima en su forma, cinematográfica en su atmósfera y conectada con un proyecto cada vez más amplio.
Awake & Dreaming baila mientras el mundo arde en «Cold Shoulder»
Awake & Dreaming presenta «Cold Shoulder», el cuarto adelanto de Inevitable, su álbum debut, con una canción que convierte la frustración colectiva en un gesto de resistencia. La banda de Waterloo, Ontario, mira de frente al ruido político, la anestesia de las pantallas y la sensación de que quienes están arriba prefieren sonreír mientras todo se desmorona.
Durante sus primeros minutos, «Cold Shoulder» mantiene sintetizadores, guitarras, bajo y batería bajo presión, casi encerrados. La tensión se libera alrededor del minuto 2:20 y desemboca en un tramo final construido mediante voces superpuestas, órgano, sintetizadores y guitarras eléctricas.
Cuando el mundo decide mirar hacia otro lado, seguir bailando también puede convertirse en una forma de protesta.
La pieza evita el tono de sermón. Su rebeldía no nace de la violencia, sino de la celebración colectiva: una fiesta callejera frente a quienes prefieren ignorar lo que sucede. Ese contraste entre urgencia distópica y esperanza encaja con el sonido que Awake & Dreaming ha ido desarrollando entre el rock alternativo y cierta teatralidad de gran formato, con referencias como Arctic Monkeys, The Strokes o Muse.
Escrita por Sasha Kristoff y Stefan Schneider, «Cold Shoulder» fue producida por la propia banda, mezclada por Jay Dufour y masterizada por João Carvalho. Publicada el 31 de julio de 2026, la canción anticipa un Inevitable que también llevará al grupo de gira por Ontario y Quebec durante septiembre y octubre.ca como afectuosa.
Juan Cruz ensaya el arte de desprenderse en «Vendo»
Juan Cruz presenta «Vendo», el segundo adelanto de su primer álbum de estudio, una canción que se mueve entre el indie rock, el rock alternativo y la psicodelia para hablar del desgaste, la desconexión y el deseo de desaparecer.
El tema parte de un clima contenido y avanza hacia un desenlace cada vez más intenso, como si la propia estructura acompañara el proceso de desprendimiento que atraviesa la letra. Ese movimiento progresivo empieza a perfilar también el universo conceptual del disco, previsto para finales de agosto.
A veces, vaciar una habitación es otra forma de intentar vaciar lo que pesa por dentro.
La idea se prolonga en el videoclip dirigido por Camila Rezk. Con una puesta en escena minimalista y el rojo como único acento cromático, cajas, cinta de embalar y objetos que desaparecen poco a poco convierten una venta doméstica en una metáfora visual de dejar atrás aquello que ya no puede sostenerse.
«Vendo» sucede a «Fantasmas otra vez», primer sencillo del proyecto, producido junto a Nicola Carrara y acompañado por un videojuego oficial de estética 16-bit desarrollado por Maxi Osuna. Juan Cruz continúa así construyendo un debut donde música e imagen forman parte de una misma narrativa.
El 5 de septiembre, además, abrirá el concierto de Nicola Carrara en La Tangente, Buenos Aires, en una nueva parada dentro de esta etapa que acaba de empezar.
BORA convierte un crimen sin respuestas en relato de rock con «Hay un Esqueleto en el Closet»
BORA presenta «Hay un Esqueleto en el Closet», un nuevo sencillo donde el misterio, el humor negro y la imaginación pesan más que la necesidad de resolver el crimen. El dúo colombiano vuelve a alejarse de las fórmulas habituales del rock para construir una canción que funciona casi como una pequeña película de suspenso.
La historia parte de un amor poco convencional y desemboca en un crimen aparentemente perfecto: no hay testigos, pistas ni rastros, solo un secreto cuidadosamente escondido y un esqueleto dentro de un clóset. Pero la canción evita cerrar el relato. En lugar de revelar qué ocurrió realmente, deja espacios para que el oyente complete la historia.
A veces, el verdadero misterio no está en descubrir al culpable, sino en imaginar todo lo que pudo suceder.
Esa dimensión cinematográfica también se prolonga en el video-loop realizado con la colaboración de Camilo “el Chamo” Cardona, reforzando el tono de ficción policial que rodea al lanzamiento.
Formada en 2021 por Maurish y Lego, BORA ha construido una identidad basada en historias que transitan entre la ciencia ficción, la fantasía y la poesía. «Hay un Esqueleto en el Closet» continúa esa línea narrativa y confirma una manera particular de entender la canción: no solo como música, sino también como cuento, imagen y universo abierto a la interpretación.
PUPILAS rompe el silencio con la descarga de garage moderno de «No Te Tapes Los Oídos»
PUPILAS regresa con «No Te Tapes Los Oídos», un nuevo sencillo que abre una etapa distinta para el dúo tras la publicación de Corazón en 2024. La banda mantiene la esencia garage que ha marcado su sonido, pero la desplaza hacia un terreno más contemporáneo, incorporando matices de indie rock y una producción más envolvente.
La canción gira alrededor de una necesidad muy concreta: escuchar y ser escuchado. La letra recoge la ansiedad que aparece cuando la atención no llega, cuando la incertidumbre se acumula y todo termina buscando una salida. Esa tensión interior se convierte en un grito de liberación, directo y sin demasiados filtros.
A veces, levantar la voz no significa querer hacer más ruido, sino necesitar que alguien escuche de verdad.
Marita Araya a la batería y Fuad Mauad a la guitarra y voz sostienen un tema que avanza desde la energía rítmica hacia un sonido que el propio grupo sitúa dentro del modern garage rock. La mezcla corre a cargo de Carlos Contreras en BlackVitamina, mientras Chalo González firma la masterización.
Con «No Te Tapes Los Oídos», PUPILAS transforma la impaciencia y la falta de escucha en movimiento. Más que una simple descarga de energía, la canción plantea la necesidad de romper determinadas barreras internas y encontrar una forma de hacerse oír.
Last Lorenzo avanza entre desgaste y resistencia en «Keep on Rowing, Sleep Tight»
Last Lorenzo presenta «Keep on Rowing, Sleep Tight», un nuevo sencillo que profundiza en la identidad del trío de Copenhague: riffs pesados, groove contundente y una producción orgánica que conecta el hard rock de los setenta con el grunge de los noventa y el stoner rock contemporáneo.
La canción gira alrededor del cansancio emocional, los hábitos destructivos y esa necesidad de seguir avanzando incluso cuando uno siente que ha perdido el rumbo. La sección rítmica empuja con firmeza mientras las guitarras aportan una dimensión más melódica, construyendo una tensión constante entre peso y movimiento.
Seguir remando no siempre significa saber hacia dónde se va; a veces solo significa no dejarse hundir.
Formado por Thomas Bonnerup Munck al bajo y la voz, Daniel Larsson a la guitarra y Benjamin Rasmussen a la batería, Last Lorenzo lleva desde 2022 desarrollando un sonido directo y centrado en el riff. Tras publicar su primer EP en 2025, la banda regresó en 2026 con «Poison Soil» y ahora continúa ese camino con «Keep on Rowing, Sleep Tight».
Su propuesta se mueve en un territorio cercano a Queens of the Stone Age, Alice in Chains, All Them Witches o los primeros Soundgarden, pero mantiene una personalidad propia basada en la dinámica, el peso y una interpretación sin excesivos adornos. «Keep on Rowing, Sleep Tight» confirma esa línea: rock denso, emocional y construido desde la resistencia.
¿Tienes un proyecto musical y te encantaría que lo escucháramos? ¡Este es el momento perfecto! Queremos conocer tu música y apoyarte en tu camino. No dudes en ponerte en contacto con nosotros a través de la plataforma de Groover. Estamos emocionados por descubrir nuevos talentos y compartir tu trabajo con nuestra comunidad. ¡Esperamos tu mensaje!