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Recomendaciones musicales semana 35 (2026)
Esta semana ponemos el foco en una selección de artistas que merece ser escuchada con atención. Proyectos que llegan con personalidad, criterio y una forma muy clara de entender la música.
Aquí no hay fórmulas vacías ni intentos de encajar en lo que ya funciona. Hay canciones con intención, discursos propios y una búsqueda artística que se nota en cada detalle. Algunos sorprenden por su sonido, otros por la manera de contar, y otros por esa capacidad difícil de explicar: la de quedarse contigo después de la primera escucha.
Son propuestas que avanzan sin miedo, mezclando influencias, rompiendo moldes y defendiendo una identidad reconocible. Artistas que no están aquí para rellenar listas, sino para abrir camino.
Si te apetece descubrir música con carácter, sensibilidad y algo real que decir, esta selección es un buen punto de partida.
Cada uno destaca por un lenguaje artístico bien definido, capaz de combinar técnica, riesgo creativo y una visión clara de hacia dónde quiere llevar su obra. Sus proyectos no se limitan a seguir tendencias; las cuestionan, las reinterpretan y, en algunos casos, las superan.
Hay innovación en la forma, profundidad en el contenido y una energía que se percibe desde el primer contacto con su trabajo. Son creadores que no buscan agradar a todos, sino generar impacto, provocar emoción y dejar huella. Si buscas talento auténtico y propuestas que realmente te muevan, este es el momento de descubrirlos.
COCTEAU CALINES dibuja una ciudad herida por la guerra en «A City Made of Sorrow»
COCTEAU CALINES presenta «A City Made of Sorrow», una canción de 6 minutos y 7 segundos que convierte el rock alternativo y el dream pop en un espacio para reflexionar sobre la guerra, la violencia ejercida en nombre de la justicia y el coste humano que dejan los conflictos.
El cuarteto de Tokio construye el tema sobre guitarras melódicas, bajos distorsionados y un groove hipnótico que recuerda al espíritu de los primeros The Stone Roses. Sobre esa base aparecen unas voces en japonés de carácter inquietante, reforzando una atmósfera suspendida entre la contemplación y la tensión.
Una ciudad puede reconstruirse muchas veces; las heridas humanas no siempre siguen el mismo ritmo.
La canción evita señalar bandos concretos y dirige su mirada hacia una cuestión más amplia: si la paz puede alcanzarse realmente mediante la violencia. Su publicación el 14 de agosto de 2026, en vísperas de la jornada japonesa de conmemoración del final de la Segunda Guerra Mundial, añade un peso especial a esa pregunta.
Formado alrededor del bajista y vocalista Yuya Nishiyama, COCTEAU CALINES ha desarrollado su identidad a través de conciertos y lanzamientos independientes. Tras publicar el EP Psychopath Killer en 2024 con Pelmage Records, la banda continúa ampliando los límites de su rock alternativo en japonés. «A City Made of Sorrow» resume esa búsqueda en una pieza extensa, hipnótica y profundamente marcada por la memoria de la violencia. que somos.aces de resistir al desgaste del tiempo.
Moon Construction Kit convierte la distancia en nostalgia pop con «Right Across the USA»
Moon Construction Kit presenta «Right Across the USA», una canción de power pop acelerado que encuentra en la distancia el combustible para mirar hacia atrás. El proyecto de Olivier Cornu abandona aquí parte del pulso psicodélico de «Down the West Coast» para apostar por una pieza más inmediata, luminosa y pensada para crecer en espacios grandes.
La canción se apoya en un motivo melódico pegadizo, armonías vocales muy presentes y una producción expansiva firmada en la mezcla por Guy Britton. Entre el indie y el pop de vocación clásica, su sonido conecta con referentes como Weezer, The Beach Boys o Phoenix sin quedar atrapado en una sola etiqueta.
La nostalgia no siempre mira al pasado con tristeza; a veces también puede sonar como una carretera abierta.
Tras esa energía aparentemente despreocupada aparece una idea de separación. Cornu explica que la canción habla de conexión y distancia, alimentada por la nostalgia hacia la cultura estadounidense con la que creció. Esa tensión entre entusiasmo y lejanía termina siendo el verdadero centro emocional del tema.
Moon Construction Kit nació en Lausana como el espacio creativo del compositor, cantante, multiinstrumentista y productor Olivier Cornu. Desde su EP homónimo de 2022, el proyecto ha ido mezclando pop psicodélico, indie rock y sonidos nostálgicos. Publicada el 21 de agosto de 2026, «Right Across the USA» lleva esa búsqueda hacia su vertiente más abierta y contagiosa.
Ryan Dirgins mira el mundo desde 30.000 pies en «Dilate, Diluting»Subterranean Street Society convierte el miedo a perderse en folk-grunge expansivo con «Indispensable Love»
Ryan Dirgins presenta «Dilate, Diluting», una canción de indie y emo-rock nacida, literalmente, en las alturas. El músico de Brooklyn comenzó a escribirla a partir de un poema compuesto durante un vuelo, mientras contemplaba un amanecer desde unos 30.000 pies y trataba de ordenar esa mezcla de claridad y confusión que a veces aparece en los momentos más inesperados.
La canción transforma aquella escena en un relato emocional apoyado en numerosas capas de guitarra y una melodía que Dirgins reconstruyó desde el recuerdo. La percusión corre a cargo de Dan Bucci, músico de Nashville, cuyo trabajo acompaña los cambios de acordes y aporta movimiento a una pieza que oscila entre la contemplación y la intensidad.
A veces, mirar el mundo desde lejos no aclara todas las dudas, pero permite escucharlas de otra manera.
La incertidumbre ocupa un lugar central en la escritura de Dirgins, aunque nunca desde una perspectiva derrotista. Sus canciones observan las preguntas que aparecen en los momentos más vivos de la existencia y encuentran en la propia música una posible forma de respuesta.
Originario de Pleasantville, Nueva York, Dirgins estudió cine y música en Wesleyan University y formó parte de Solar Plunge antes de desarrollar su proyecto en solitario. Con influencias como Pinegrove y Big Thief, «Dilate, Diluting», publicado el 7 de agosto, anticipa además un futuro álbum de unas doce canciones en el que también aparecerá «Footstep Forest».
Gavarnie despierta su pop independiente con «Yo, que duermo»
Gavarnie continúa dando forma a su identidad con «Yo, que duermo», segundo sencillo de un proyecto nacido apenas unas semanas antes con «El tiempo y la voz». Formado por Iker y Ayla, el dúo apuesta por un pop independiente en español donde las guitarras conviven con elementos electrónicos y una clara intención de trasladar las canciones al directo.
Su llegada en marzo de 2026 marcó el comienzo de una etapa planteada desde la constancia: Gavarnie ha organizado su primer año alrededor de lanzamientos aproximadamente cada seis semanas, construyendo progresivamente un repertorio que busca combinar energía y emoción.
Hay proyectos que necesitan años para encontrar su voz; otros prefieren descubrirla canción a canción.
«Yo, que duermo», publicado en abril, representa el siguiente paso después del debut y permite observar cómo el dúo empieza a definir un lenguaje propio dentro del indie pop. La combinación entre instrumentación orgánica y texturas electrónicas se mantiene como uno de los principales rasgos de una propuesta concebida para seguir creciendo con cada nueva entrega.
En sus primeras semanas de actividad, Gavarnie superó además las 20.000 visualizaciones en Instagram, un comienzo que acompaña a un proyecto todavía joven y en plena construcción.
«Veneno» abre la puerta al lado más oscuro de CAPITANO
CAPITANO inicia una nueva etapa con «Veneno», primer adelanto de su próximo disco, previsto para noviembre. La canción se mueve entre el rock y una producción de mirada contemporánea que sitúa la palabra, la tensión y el clima emocional en el centro.
El tema se adentra en impulsos, deseos y contradicciones que permanecen bajo la superficie, explorando ese territorio donde lo racional convive con lo instintivo y donde el control nunca termina de ser completo.
«Veneno habla de esas pulsiones que llevamos dentro, de esas bestias que esperan salir y alimentarse de nuestras zonas más oscuras. Es una canción sobre lo que intentamos dominar, pero sigue formando parte de nosotros.»
La trayectoria de CAPITANO comenzó en 2003 con Abuelo Americano. Después llegaron su debut solista Solitarios Argumentos y la etapa junto a Los Señores Hyde, además de conciertos y festivales compartidos con nombres como Juanse, Estelares, Las Pastillas del Abuelo, El Kuelgue, Las Pelotas o Bersuit Vergarabat.
Autor, compositor, músico, productor y técnico de sonido, CAPITANO mantiene una propuesta abierta al rock, el pop, el rap y la balada, siempre con la canción al servicio del mensaje. «Veneno», mezclada y masterizada por Pablo Governatori, funciona así como primera señal de un disco que parece dispuesto a mirar hacia dentro sin apartar la vista.
Nonsense, el nuevo espacio creativo de Hector Vera entre rock, pop y jazz
Nonsense nace como el proyecto en solitario de Hector Vera, guitarrista y compositor de Autumn Astronauts, y como un territorio donde explorar nuevas posibilidades dentro del indie rock.
Su propuesta parte del rock y el pop, pero incorpora también elementos procedentes del jazz, buscando una combinación menos previsible y abierta a distintos lenguajes. Más que encajar en una etiqueta concreta, Vera plantea el proyecto como una forma de preguntarse cómo podría sonar el indie rock cuando abandona algunos de sus límites habituales.
A veces, encontrar un sonido propio comienza precisamente cuando las etiquetas dejan de ser suficientes.
La guitarra mantiene un papel central en esa identidad, algo que también queda reflejado en la imagen promocional del proyecto, donde Vera aparece acompañado por una guitarra eléctrica roja.
Con Nonsense, el músico abre así una etapa paralela a su trabajo con Autumn Astronauts, poniendo en primer plano su faceta como compositor y la intención de cruzar rock, sensibilidad pop y pequeños matices de jazz dentro de una misma propuesta. Un punto de partida todavía abierto, pero con una idea clara: utilizar la mezcla de estilos como espacio para imaginar otras formas de entender el indie rock.
Punch Drunk encuentra en «Harmonium» el pulso más inmediato de su debut
Punch Drunk presenta su EP homónimo, una primera carta de presentación donde el garage rock y la psicodelia sirven de base para un sonido directo, crudo y pensado para crecer especialmente sobre el escenario.
Dentro del trabajo, «Harmonium» se ha convertido en una de las piezas más representativas. Su gancho vocal y su melodía condensan buena parte de las virtudes del grupo, especialmente esa energía que la banda ha ido trasladando a sus conciertos dentro de la escena local de Nueva Jersey.
Hay canciones que no necesitan demasiados adornos cuando encuentran el equilibrio exacto entre impulso, melodía y actitud.
Formado en Freehold, Punch Drunk desarrolla una propuesta situada entre el garage rock y la psicodelia, con influencias que apuntan hacia Thee Oh Sees, Queens of the Stone Age y Black Sabbath. Más que reproducir esas referencias, el grupo las utiliza como punto de partida para construir canciones de carácter físico y marcado componente rítmico.
Publicado en octubre de 2025, Punch Drunk abre una etapa en la que la banda busca consolidar su presencia dentro del circuito de Nueva Jersey mientras continúa trabajando en nuevo material. «Harmonium» funciona como la mejor puerta de entrada a ese universo: una canción inmediata, melódica y hecha para ganar fuerza cuando abandona el estudio y llega al directo.
Lana Roche convierte la rabia en liberación en «Vulvic»
Lana Roche presenta «Vulvic», una canción de rock alternativo nacida de la traición, el duelo y la necesidad de recuperar la propia voz. Lejos de romantizar el dolor, la artista británica transforma la rabia en un punto de ruptura y, finalmente, en una forma de liberación.
El tema se mueve sobre guitarras distorsionadas, baterías explosivas y una interpretación vocal cargada de tensión. Su sonido bebe con claridad del grunge de los noventa, con referencias a Nirvana, Hole y Mercury, mientras la intensidad crece al mismo ritmo que el recorrido emocional de la letra: del daño inicial a la confrontación y, después, a una calma distinta.
«Mi rabia se convirtió en un impulso para avanzar hacia la siguiente etapa de mi vida», explica Lana Roche.
«Vulvic» nació después de descubrir la infidelidad de su pareja con su mejor amiga. Esa experiencia atraviesa la canción, pero no la encierra en el resentimiento. Roche utiliza la vulnerabilidad como una forma de fuerza y reivindica la rabia femenina queer sin convertirla en algo destructivo.
La propia portada refuerza ese contraste: un perro mira a cámara con absoluta confianza mientras, sobre él, aparece una mano sosteniendo un arma, enfrentando visualmente la lealtad y la traición.
La Broma Negra, más de tres décadas construyendo una forma propia de entender la oscuridad
La Broma Negra lleva desde 1989 habitando un territorio difícil de encerrar en una sola etiqueta. Rock gótico, folk y pop barroco se cruzan en una trayectoria que, más de tres décadas después, suma once álbumes de estudio y un directo, con Señor perdónanos por lo que vamos a hacer como entrega más reciente.
Fundado por Carlos Caballero, el grupo madrileño ha hecho de la personalidad propia una constante. A su alrededor se articula actualmente una formación en la que piano, bajo, batería, guitarras, violines y mandolinas amplían un lenguaje musical donde la oscuridad nunca funciona únicamente como estética.
Hay bandas que construyen una discografía; otras terminan levantando un mundo reconocible a su alrededor.
Ese universo aparece también en títulos como Te quiero pero he elegido la oscuridad, Suicidarse y Seguir viviendo, Los extraños tienen los mejores caramelos o Joyas de princesas muertas, discos que dibujan una trayectoria marcada por el gusto por lo inquietante, la literatura y una mirada poco convencional hacia el rock.
Su último trabajo, Señor perdónanos por lo que vamos a hacer, publicado en abril de 2025, mantiene viva esa identidad a través de canciones como «Respira por la herida», «Imperios» o «Cómo matar gente y dormir como un niño». Después de más de treinta años, La Broma Negra continúa avanzando sin suavizar las aristas que siempre la hicieron reconocible.
Thames Rivieras convierte el caos en impulso punk con «How Did I End up in This Mess»
The Days Away presenta «Only Heaven Knows», su Thames Rivieras presenta «How Did I End up in This Mess», una canción que condensa el espíritu de este peculiar proyecto de siete integrantes concebido por Pete Dekoker, músico ligado anteriormente a ’63 Monroe y Wabi Sabis.
La banda parte de una sensibilidad punk directa, de ese impulso elemental del “1-2-3-4”, pero amplía la fórmula mediante armonías vocales trabajadas y una escritura que busca ir más allá de la simple descarga de energía. El resultado se mueve entre el punk rock y una cierta dimensión teatral, coherente con la idea de Thames Rivieras como una suerte de ópera rock acelerada y sin demasiados miramientos.
A veces, preguntarse cómo hemos acabado en mitad del desastre es también la primera forma de seguir avanzando.
«How Did I End up in This Mess» encaja en esa mezcla de movimiento, ironía y narración que define al grupo. Más que detenerse a contemplar el caos, Thames Rivieras parece interesado en convertirlo en combustible.
La canción llega dentro de una etapa marcada por Optimistic, el lanzamiento más reciente del grupo, que sucede a What Not Jive, publicado en 2022. Dos títulos que ya dejan entrever una banda poco interesada en la solemnidad y mucho más dispuesta a utilizar el punk como espacio de diversión, relato y resistencia.
«Ezterenzubi» lleva la identidad vasca de Baga Biga al pulso del ska y el rock
Baga Biga presenta «Ezterenzubi», un nuevo sencillo con el que la banda del País Vasco continúa defendiendo una propuesta marcada por la energía del ska, la fuerza del rock y una conexión profunda con la cultura y el idioma vascos.
El grupo entiende la música como un espacio donde identidad y celebración pueden convivir sin perder autenticidad. Su sonido busca precisamente ese equilibrio: canciones capaces de mantener una raíz reconocible y, al mismo tiempo, abrirse a oyentes de lugares y contextos muy distintos.
Hay músicas que cruzan fronteras sin abandonar nunca el lugar del que vienen.
«Ezterenzubi» se integra en esa manera de entender el proyecto. Para Baga Biga, cada nueva canción es también una forma de compartir una cultura que encuentra en la música un lenguaje directo, festivo y capaz de generar comunidad.
Más allá de las etiquetas, el grupo parte de una idea sencilla: la identidad no tiene por qué funcionar como una frontera. Ska, rock y tradición vasca encuentran así un espacio común desde el que conectar con nuevos públicos sin diluir aquello que hace reconocible a la banda. Con «Ezterenzubi», Baga Biga continúa ese recorrido entre celebración, pertenencia y apertura.
jak demo enciende el funk-rock con el descaro de «Trojan War»
jak demo presenta «Trojan War», una canción que mezcla funk, rock y una marcada influencia de Red Hot Chili Peppers para construir un tema directo, físico y con vocación de quedarse en la cabeza.
El sencillo se apoya en riffs contundentes y un pulso rítmico muy marcado, pero evita caer en la gravedad. Al contrario, «Trojan War» se mueve con un tono ligero y desenfadado, coronado por un estribillo de carácter casi hímnico que busca funcionar tanto por su gancho como por su energía.
El mejor rock no necesita complicarse: basta con un riff que empuje y un estribillo que pida volver a empezar.
La referencia al funk-rock californiano aparece como uno de los puntos de partida más claros, especialmente en la combinación entre groove, guitarras con mordiente y una interpretación pensada para mantener la canción siempre en movimiento.
Con «Trojan War», jak demo apuesta por una fórmula inmediata y sin excesos: riffs con pegada, sentido del ritmo y una actitud juguetona que convierte el tema en una descarga de rock tan directa como contagiosa.
Bravo Maldonado convierte el cambio en canciones con Las canciones que nos han salvado
Bravo Maldonado publica en 2026 Las canciones que nos han salvado, un disco que recoge el proceso de transformación vivido por la banda vallisoletana desde su nacimiento cuatro años antes.
El grupo surge en 2022 a partir de las cenizas de un proyecto anterior, con la intención de reencontrarse musicalmente y buscar un sonido más fresco sin romper con su propia esencia. Ese camino de cambio termina convirtiéndose en el eje de un trabajo donde el indie pop y el indie rock sirven como vehículo para unas letras centradas en experiencias, emociones y mensajes reconocibles.
A veces, cambiar de sonido no significa dejar atrás lo que eras, sino encontrar una forma nueva de seguir siendo tú.
Las canciones que nos han salvado funciona así como una especie de memoria de esa transición. Más que presentar únicamente una colección de temas, el álbum recoge la manera en que Bravo Maldonado ha vivido su propia reconstrucción como banda.
Durante estos últimos años, el grupo ha llevado su música por escenarios de Peñafiel, Valladolid, Madrid, Salamanca, Benavente, Segovia o Lugo, además de participar en festivales como Sonorama Ribera y Summer End. Un recorrido que acompaña a un proyecto todavía en evolución, pero que ya ha encontrado en este disco una forma de mirar hacia atrás sin dejar de avanzar.
THE ØDDS convierte una última danza en catarsis con «Make Sense»
THE ØDDS presenta «Make Sense», una canción construida alrededor de una imagen tan sencilla como dolorosa: bailar lentamente con una expareja a la que todavía se quiere. Desde ahí, el tema busca capturar ese espacio extraño donde el amor permanece incluso cuando la relación ya pertenece al pasado.
La canción comienza desde la contención, dejando espacio para esa cercanía casi suspendida de un último baile, pero poco a poco cambia de intensidad hasta desembocar en una sección más rockera. Ese crecimiento no funciona únicamente como recurso musical: acompaña también la evolución emocional del relato, como si aquello que empieza siendo recuerdo terminara necesitando salir con mayor fuerza.
Algunas historias terminan antes de que desaparezca el amor, y ahí es donde empiezan las preguntas difíciles.
THE ØDDS quiere que «Make Sense» funcione en varios niveles: como una canción que pueda bailarse, como una descarga cuando aumenta su energía y, sobre todo, como una historia reconocible para cualquiera que haya intentado encontrar sentido a una relación que todavía pesa después de acabarse.
DUPLICATS enfrenta dos maneras de vivir una ruptura en «KHIMERA»
DUPLICATS presenta «KHIMERA», una canción que observa el final de una relación desde dos lugares emocionales opuestos. Mientras una de las partes permanece atrapada en la tristeza, la otra experimenta la ruptura como una forma de liberación.
El sexteto mallorquín construye esa tensión desde el rock alternativo, con guitarras poderosas, voces melódicas y una atmósfera de carácter cinematográfico que amplifica el contraste entre ambos puntos de vista. La canción no busca decidir quién tiene razón, sino mostrar cómo una misma historia puede dejar heridas muy distintas según quién la recuerde.
Dos personas pueden salir de la misma relación llevando consigo versiones completamente diferentes de lo vivido.
Cantando en catalán y con una propuesta que mezcla rock alternativo y pop-rock contemporáneo, DUPLICATS apuesta por canciones donde la melodía y el contenido emocional avanzan en paralelo.
«KHIMERA» encuentra su fuerza precisamente en ese choque entre tristeza y alivio. Más que narrar una separación desde una sola voz, la banda plantea un diálogo implícito entre dos formas de enfrentarse al final, dejando que la intensidad de las guitarras y la carga melódica terminen de contar aquello que las palabras no siempre pueden resolver.
«Tourette’s Parrot, Again»: Desu Taem insiste en hacer rock cuando rendirse sería más fácil
Desu Taem presenta «Tourette’s Parrot, Again», una nueva entrega de su particular universo de savage retro rock, construido desde décadas de escucha, experiencia y una relación profundamente personal con la música.
Detrás del proyecto se encuentra Shan, que entiende cada lanzamiento como una necesidad creativa antes que como una búsqueda de recompensa. Su vínculo con el rock se remonta a más de cincuenta años atrás, con el primer álbum de KISS entre esos discos que ayudaron a fijar una forma de escuchar y entender la música.
Cuando las manos ya no responden como antes, la necesidad de crear puede encontrar otras formas de seguir hablando.
Ese impulso adquiere un significado especial en su caso. Shan explica que los temblores de sus manos ya no le permiten tocar la guitarra con normalidad, pero esa limitación no ha detenido a Desu Taem. La música continúa funcionando como un espacio donde transformar memoria, humor y una vida entera de referencias en nuevas canciones.
«Tourette’s Parrot, Again» prolonga así una filosofía muy concreta: hacer música por satisfacción propia, compartirla después y dejar que cada oyente decida qué hacer con ella. Sin artificios ni grandes discursos, Desu Taem mantiene viva una forma obstinada y sincera de relacionarse con el rock.
Desu Taem presenta «Grave Digger’s Afternoon Nap», una nueva muestra de ese sonido que Shan define como Savage Retro Rock: directo, áspero y deliberadamente alejado de una producción excesivamente pulida.
La intención es clara. Cada canción busca conservar la sensación de una banda tocando en directo, incluso cuando eso implica mantener imperfecciones que otros podrían considerar defectos. Shan escucha y revisa cada lanzamiento decenas de veces hasta encontrar exactamente el carácter que persigue.
«Grave Digger’s Afternoon Nap» mantiene esa filosofía de inmersión total en un rock retro, salvaje y sin intención de suavizar sus bordes. Desu Taem continúa así defendiendo una identidad sonora propia: menos perfección de estudio y más sensación de estar dentro de la música.
Un viaje en coche y una memoria que todavía guía a Airin.wav en «El disco de mi hermana»
Airin.wav encuentra en un recuerdo aparentemente cotidiano —un viaje en coche escuchando un disco de Coldplay— el punto de partida de «El disco de mi hermana», una canción sobre el paso del tiempo, la nostalgia y la posibilidad de recuperar aquellas sensaciones que alguna vez nos hicieron sentir bien.
La pieza se acerca más al pop que al indie y encuentra buena parte de su personalidad en una guitarra de melodía especialmente reconocible. La producción de TALVS mantiene una atmósfera cálida y luminosa que contrasta con la melancolía de la letra, mientras la interpretación vocal conserva la cercanía necesaria para que una memoria profundamente personal termine resultando familiar.
A veces, volver al pasado no significa querer quedarse allí, sino recordar hacia dónde merece la pena seguir caminando.
El coche, el trayecto desde la playa y aquella música compartida funcionan como una pequeña cápsula temporal. Sin embargo, «El disco de mi hermana» no plantea un regreso literal: su mirada está puesta en aceptar las cicatrices, dejar de sobrepensar lo vivido y volver a reconocer las pequeñas cosas capaces de generar bienestar.
Entre nostalgia, calma y esperanza, Airin.wav transforma así el recuerdo en algo más útil que un refugio. La canción recuerda que avanzar tampoco exige desprenderse de todo lo anterior; algunas partes del pasado todavía pueden acompañarnos sin impedirnos seguir adelante.
Dark Libra atraviesa la tormenta emocional de «Waves» sin perder el equilibrio
Dark Libra atraviesa la tormenta emocional de «Waves» sin perder el equilibrio
Dark Libra abre una nueva etapa con «Waves», un sencillo que convierte la aceptación de aquello que escapa a nuestro control en materia sonora. El trío nacido tras la pandemia vuelve a utilizar la música como espacio de resistencia íntima, enfrentándose esta vez a esos momentos en los que la vida obliga a cambiar de posición, asumir la incertidumbre y mantenerse en pie.
La canción se mueve entre lo etéreo y lo crudo. Graves electrónicos, guitarras distorsionadas y una percusión precisa sostienen una producción oscura pero contenida, mientras la voz hipnótica de Teté Sendín oscila entre la calma y la tensión. La batería de Ángel Quijano aporta el pulso que mantiene unido ese contraste.
Hay momentos en los que avanzar no significa controlar lo que ocurre, sino aprender a mantenerse a flote mientras todo cambia.
Formado por Teté Sendín, Ángel Quijano y Ángel Sánchez, Dark Libra combina electrónica, pop, indie y rock desde referencias que van de The Cure y Depeche Mode a Kate Bush, Maika Makovski o Garbage.
Su primer trabajo, Music for a Weird Thrift Shop, reunió ocho canciones atravesadas por el pop, el disco y el rock con la electrónica como base. Con «Waves», la banda no rompe con ese universo, pero sí lo empuja hacia un lugar más introspectivo y visceral: una canción sobre aceptar la turbulencia sin dejar que termine definiéndonos.ue acaba de empezar.
«Don’t Tempt Me»: Kodin Hill ‘N The Pressed Pills busca una salida al ruido de la rutina
Kodin Hill ‘N The Pressed Pills presenta «Don’t Tempt Me», un nuevo sencillo que condensa la esencia más cruda, melódica y caótica del proyecto. La canción parte de una sensación reconocible: la necesidad de escapar de un mundo construido alrededor de rutinas, normas y formas de vida demasiado uniformes.
El relato adopta la mirada de un trabajador atrapado en el horario de nueve a cinco, aunque la banda deja abierta la interpretación para que esa sensación de encierro pueda pertenecer a cualquiera. La frustración cotidiana se transforma así en impulso, ruido y deseo de ruptura.
Hay momentos en los que escapar no significa huir, sino recordar que todavía existe algo fuera de la rutina.
Musicalmente, «Don’t Tempt Me» busca el equilibrio entre melodía y descontrol. La energía del rock aparece sin excesivo pulido, dejando espacio para una intensidad que pretende sentirse inmediata y física.
Como proyecto independiente, Kodin Hill ‘N The Pressed Pills continúa construyendo su camino desde la autogestión y una identidad que encuentra precisamente en el contraste —entre orden y caos, rutina y libertad— uno de sus puntos más expresivos.
Sunday,June mira de frente a los sueños frustrados en «What if I Tried?»
Sunday,June presenta «What if I Tried?», primer adelanto de Cinema, su segundo álbum, previsto para el 6 de noviembre. El quinteto hispano-suizo convierte la frustración de los sueños aplazados en una canción sobre perseverar cuando las presiones de la vida empiezan a reducir el espacio para intentarlo.
Formado en Ginebra en 2024 alrededor del músico valenciano Mario Peiró Espí, el grupo define su sonido como solar psych: un pop psicodélico cálido y nostálgico donde las guitarras luminosas conviven con texturas vaporosas y estructuras que prefieren desarrollarse sin prisas.
A veces, el verdadero fracaso no está en no conseguirlo, sino en dejar de preguntarse qué habría ocurrido si lo hubiéramos intentado.
«What if I Tried?» amplía esa paleta hacia el indie rock alternativo. Un comienzo más crudo da paso a guitarras cristalinas y a un estribillo de sensibilidad pop, antes de desembocar en un cierre progresivamente expansivo donde el shoegaze y la psicodelia terminan encontrándose.
Cinema fue grabado en directo en Chapel Studios, Inglaterra, con toda la banda tocando en la misma sala y sin claqueta, bajo la producción de Andy Savours, conocido por sus trabajos con My Bloody Valentine, Arctic Monkeys y The Killers. Después de su debut Sun Glitter and Other Reflections y de actuar en escenarios como Montreux Jazz Festival o Ypsigrock, Sunday,June entra así en una etapa más cinematográfica, física y colectiva.
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