Recomendaciones musicales semana 38(2025)

Loco Montgomery: libertad entre acordes

El proyecto Loco Montgomery nace del empeño de tres amigos —Javi, Moisés y David— que decidieron reinventarse tras la salida de su antiguo cantante. En lugar de detenerse, dieron un salto hacia lo desconocido: un bajista que apenas descubrió el instrumento a los 33, un batería desbordante de optimismo y un guitarrista que se enfrenta por primera vez a un terreno melódico abierto y sin límites.

“Loco Montgomery no suena a perfección planificada, sino a esa libertad genuina que solo surge cuando la música se hace por puro placer.”

Lo suyo no es un camino marcado, sino un sendero improvisado en el que cada ensayo se convierte en un laboratorio de vivencias y canciones. Su tema “Marsellesa” es ejemplo de ello: una elegía visceral sobre el paso del tiempo y la añoranza de los días de gloria, un grito crudo que captura la fragilidad y la grandeza de lo efímero.

En ese caos vital, Loco Montgomery encuentra su esencia: crear sin mapa, sin destino fijo, solo por el gozo de compartir unas horas y dejar que la música diga lo que las palabras no alcanzan.

Valverde & Acosta: sumergirse en “Dejarse llevar”

El músico y poeta Jorge Valverde y el productor Eloy Acosta unen fuerzas en un proyecto conjunto que verá la luz a finales de año bajo el título Modo Supervivencia. Entre adelantos como Peligro de extinción o Balada interior —esta última con un texto de Lorca—, llega ahora “Dejarse llevar”, un tercer sencillo que confirma el carácter ecléctico y arriesgado del disco.

“‘Dejarse llevar’ funciona como un descenso oscuro y magnético: la prueba de que cuando se combinan dos universos distintos, surge una voz propia imposible de ignorar.”

El tema se construye sobre un pulso indie-rock pesado, atravesado por capas electrónicas y una letra profunda que desemboca en un estribillo directo. Lo interesante está en el juego de voces compartidas: Valverde y Acosta alternan registros y texturas, sumando variedad y un sello personal a un trabajo ya marcado por su amplitud estilística.

Grabado en Earz Studio y producido por Acosta junto a Félix El Brujo, Modo Supervivencia promete ser un álbum sin complejos, que explora diferentes géneros y encuentra en la fusión creativa su mayor fortaleza.sa energía que oscila entre la rabia y la redención.

Love Ghost y The Skinner Brothers: un grito crudo llamado “Worth It”

La tercera colaboración entre Love Ghost y The Skinner Brothers llega con “Worth It”, un tema que combina la crudeza del rock alternativo con un lirismo afilado y un solo de guitarra que atraviesa como cicatriz.

La pregunta resuena como un eco incómodo a lo largo de la canción, que se convierte en himno catártico para quienes alguna vez se han mirado al espejo con más dudas que certezas.

Tras “Freedom in a Padded Cell” y “Scrapbook”, ambos proyectos tenían claro que había más territorio que explorar juntos.

“Worth It” es un espejo distorsionado que, sin embargo, nos devuelve algo de verdad.

Love Ghost ha sabido construir una identidad en la intersección del grunge, el metal, el pop-punk y la canción acústica, con letras cargadas de un aire poético y confesional que no teme entrar en terrenos de trauma o salud mental. Su trayectoria ya los ha llevado a tocar en cuatro continentes y a colaborar con figuras como Rico Nasty o Skold.

Por su parte, The Skinner Brothers continúan consolidando su lugar en la escena británica tras girar con Kasabian y compartir cartel con The Libertines o The Streets. El próximo noviembre ambas bandas cruzarán escenarios en una gira conjunta por Reino Unido, llevando con ellos esa energía que oscila entre la rabia y la redención.

Esplanada: Closer To The Edge, un viaje entre la fragilidad y la fuerza

TCon su segundo álbum, Esplanada confirma su lugar dentro del rock alternativo con un trabajo tan poderoso como humano. Closer To The Edge (2025) es un recorrido sonoro que oscila entre la urgencia y la contemplación, entre himnos incandescentes y baladas introspectivas.

El álbum se abre con la energía inmediata de Closer To The Edge y se adentra en paisajes más sombríos con Black Tainted Heart, para luego iluminarse en cortes como Do You Remember o rendir homenaje con Vera.

Uno de los momentos más íntimos llega con “Someone New”, una balada alternativa sobre la reinvención personal tras una ruptura o un cambio vital, que equilibra fragilidad y fuerza. Guitarras cristalinas, coros expansivos y una producción cuidada hacen de este tema un respiro emotivo que conecta con la tradición de bandas como Keane, Snow Patrol o el Radiohead de High and Dry.

“Un álbum sobre la vida, la pérdida, el renacimiento y todo lo que conecta a las almas, aunque sea de forma temporal.”

El proyecto franco-holandés, producido en París y grabado entre Nashville, Algarve, Varsovia y París, encuentra en la voz habitable de Ray Van D y las texturas de Philippe M una identidad sonora propia: cinematográfica, melódica y profundamente emocional.

Canciones clave: Someone New, Queen Of Fire, Do You Remember y Vera.

Evil Maracas: el renacer con “Medusa”

La banda barcelonesa Evil Maracas abre una nueva etapa con “Medusa”, su primer single en castellano, un movimiento que marca un renacer creativo tras años de composición en inglés.

“‘Medusa’ no solo es un debut en castellano, es un golpe de identidad: una declaración de intenciones que hiere y seduce al mismo tiempo.”

El tema es una metáfora poderosa de la pérdida, la indiferencia y el dolor. Con un sonido que oscila entre el indie rock melódico y la crudeza del post-punk, “Medusa” despliega versos que hieren, atmósferas densas y un estribillo diseñado para quedarse en la memoria.

La decisión de cantar en castellano no solo acerca a la banda a su público inmediato, sino que también consolida una identidad más directa dentro de la escena independiente local. Con influencias que van desde Radiohead hasta Gustavo Cerati y el espíritu inquieto de la escena catalana, Evil Maracas construye un puente entre la introspección poética y la energía de su directo.

Elderstag: debutar con peso y rareza

Desde Lisboa emerge Elderstag, un proyecto de rock progresivo, stoner y hard rock que tras años gestándose en la escena underground portuguesa ha visto la luz en 2025 con un debut homónimo cargado de ambición.

“Elderstag suena como si la pesadez del stoner y la imaginación del progresivo se hubieran encontrado en un mismo crisol: extraño, intenso y sorprendentemente coherente.”

El disco despliega un universo conceptual inquietante: un mundo distópico en el que la humanidad se transforma en animales. Cada tema funciona como un capítulo, alternando momentos de introspección con estallidos de pura intensidad. Canciones como King of Yourself, The Shepherd o Dehumanized dan vida a personajes y paisajes de ese relato oscuro y extraño.

La banda está formada por músicos con recorrido en proyectos como The Chapter, Voidust o Diabolical Mental State, experiencia que se nota en la solidez instrumental y en la claridad de intenciones.

Con este estreno, Elderstag no solo presenta un álbum, sino también una declaración de principios: un sonido que no teme a la rareza y que sabe cómo golpear con fuerza.

Canciones clave: King Of Yourself, The Grand Transformation y Dehumanized.

Die Tired: vivir cada día como un escenario

El nombre de Die Tired nace de aquel viejo lema de los Marines: “You can run, but you’ll just die tired”. Sin embargo, lejos de cualquier connotación oscura, la banda lo resignifica como un grito punk de “Carpe diem”, una forma de entender la música y la vida desde la urgencia y la celebración.

“Escuchar a Die Tired es como recibir una descarga de energía pura: un recordatorio de que el rock también sabe sonreír mientras te sacude.”

Formados en Pensilvania, sus integrantes aportan influencias dispares —del hard rock clásico al pop-punk, pasando por el heavy metal— que se funden en un sonido fresco y pegadizo. El resultado: melodías irresistibles de alternative y pop-rock con un espíritu contagioso.

Sobre el escenario, el grupo despliega una energía vibrante que convierte cada concierto en una fiesta: guitarras chispeantes, estribillos coreables y una entrega que hace imposible no mover la cabeza o cantar a pulmón. Die Tired encarna esa idea simple pero poderosa de que cada día es una oportunidad para exprimir la vida al máximo..

Lost Velvet: entre la sombra y el ensueño

CEl dúo británico Lost Velvet, formado por Robert Butcher y Melissa Morris, construye un universo sonoro donde el grunge, el post-rock y el pop se entrelazan en una atmósfera de ensoñación noventera. Con texturas cinematográficas y un juego vocal hipnótico, sus canciones parecen fragmentos rescatados de una película que nunca existió.

“Lost Velvet suena como si el grunge hubiera aprendido a soñar: igual de áspero, pero envuelto en una neblina luminosa que lo transforma todo.”

Tras la publicación de Endless en abril y Wasted en junio —ambos seleccionados por BBC Introducing—, el grupo lanzó en agosto Make It Alright, último adelanto antes de su esperado EP, previsto para el 26 de septiembre. En paralelo, preparan su álbum debut, Dark Cells, que llegará a finales de año y promete consolidar su propuesta entre lo etéreo y lo visceral.

Con influencias que evocan tanto a la crudeza del grunge como a la delicadeza del dream-pop, Lost Velvet ofrece un sonido que se mueve entre la melancolía y la luz, el desgarro y la calma. Una apuesta firme dentro de la escena emergente británica.

Hallucinophonics: sueños y despertares en “Velvet Reverie”

Con “Velvet Reverie”, la banda Hallucinophonics da un paso luminoso hacia territorios más etéreos dentro del indie y el rock progresivo psicodélico. La canción, parte del próximo álbum Portraits, es una exploración de amor, sueños y despertares interiores, envuelta en guitarras brillantes, pianos vintage y una producción analógica cálida.

“‘Velvet Reverie’ no es solo una canción: es una invitación a dejarse arrastrar por un estado de calma suspendida, donde emoción y belleza se entrelazan sin esfuerzo.”

El grupo, heredero de la sofisticación atmosférica de Porcupine Tree, la innovación de Tame Impala y el legado cósmico de Pink Floyd, teje paisajes sonoros que buscan expandir la percepción. Aquí, la voz masculina se alza sobre capas de sintetizadores y arreglos dinámicos, dibujando un relato introspectivo pero también esperanzador.

La pieza combina la espiritualidad del descubrimiento personal con una narrativa romántica que invita al oyente a cerrar los ojos y dejarse llevar. Más que un single, “Velvet Reverie” confirma la ambición de Hallucinophonics: crear música que sea tanto una declaración artística como una experiencia transformadora.llo su viaje más personal. Un camino que promete culminar en agosto con su primer álbum