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Recomendaciones musicales semana 48 (2025)
Te presentamos a un grupo sobresaliente de artistas que esta semana ha cautivado tanto a la crítica como al público. Con estilos propios, propuestas innovadoras y una energía contagiosa, cada uno de ellos promete hacerte vibrar con su talento.
Cat Traffic: felinos cósmicos y una mente sonora en expansión
Su nuevo tema, Hooper in the Cosmos, es un viaje que se expande a cada compás: un arranque funk y luminoso que desemboca en una deriva psicodélica y ambiental, como si cada sección abrazara un estado emocional distinto. El propio Welch reconoce la inspiración doméstica y casi mística de sus dos gatos, Hooper y Cosmo, cuyos comportamientos, silencios y travesías por la casa se transforman aquí en estructura, ritmo y atmósfera.
A veces la música más libre nace de mirar lo cotidiano con asombro: basta un gesto mínimo para abrir una puerta sonora infinita.
Maganiah: el alma detrás de las máscaras
El músico y productor madrileño Maganiah presenta Máscaras del alma, su primer single, una pieza que combina la energía del sonido urbano con la sensibilidad del indie alternativo. En ella, el artista invita a derribar las capas que nos protegen y a mostrarnos tal como somos, sin disfraces ni apariencias.
La canción inaugura el camino hacia su álbum debut, previsto para 2026, y refleja una búsqueda de autenticidad que atraviesa todo su universo musical. Su voz, cálida y contenida, dialoga con una producción que mezcla lo orgánico y lo electrónico, logrando un equilibrio entre la fuerza rítmica y la emoción introspectiva.
Originario de Leganés, Maganiah lleva años en la escena como guitarrista y batería en bandas de rock, ska y metal progresivo, hasta que decidió emprender su propio proyecto tras la pérdida de su perro Spencer, un duelo que transformó en impulso creativo y en punto de partida para su obra más personal.
En un mundo que premia la apariencia, atreverse a mostrarse vulnerable sigue siendo el gesto más valiente.
Máscaras del alma es una declaración artística y emocional: un recordatorio de que, cuando la verdad se asoma entre los acordes, la música se convierte en una forma de liberación.nal.
Roswell: rock de aristas británicas y pulso americano
Desde Linares, Roswell continúa ampliando su identidad sonora con Carry On, el tercer adelanto de su segundo álbum, Sounds From Distance Life. La banda, influenciada por Foo Fighters, Alter Bridge o Arctic Monkeys, transita con naturalidad entre distintos giros del rock alternativo, moviéndose siempre en ese punto donde la contundencia rítmica se encuentra con la melodía clara.
Grabado en Barcelona y masterizado en los estudios Abbey Road de Londres —detalle que ya sugiere la ambición y el cuidado del proyecto—, este nuevo single combina guitarras garageras, riffs de raíz británica y una estructura que remite a ese rock americano directo y expansivo. Carry On suena a carretera, a impulso y a resistencia, una pieza que parece hecha para mantenerse en pie incluso cuando el ruido empieza a temblar.
Hay canciones que avanzan como quien respira hondo: no para escapar, sino para recordar que seguir es también una forma de volver.
Con este lanzamiento, Roswell reafirma su apuesta por un rock que mira a ambos lados del Atlántico sin perder la cercanía de sus raíces.
Scared Little Toaster: criaturas ruidosas en un mundo absurdo
Descritos como “un soplo de aire fresco” por John Kennedy (Radio X), ya sorprendieron con su debut VIBRA, estrenado en enero de 2025. Desde entonces han llevado su propuesta a espacios clave como el Windmill de Brixton y ahora preparan su paso por Strongroom, donde abrirán para los legendarios Yowie. Entre riffs angulosos, ritmos frenéticos y una teatralidad que no teme rozar lo absurdo, Scared Little Toaster parecen más interesados en construir mundos que en seguir tendencias.
Sus canciones funcionan como fábulas del caos moderno: historias imposibles que, de algún modo, dicen más sobre nosotros que cualquier relato realista.
DESU TAEM: cuando la furia es también memoria
En el universo de DESU TAEM, el rock es un espacio donde convivien rugidos, fantasías y una complicidad poco habitual: la de un dúo formado por padre e hijo. Su llamado “Savage Retro Rock” no es una etiqueta estética, sino un método para hacer del ruido un legado compartido. Entre riffs que parecen salidos de un viejo videoclub y estribillos que reclaman puño en alto, la banda se mueve con una libertad que atraviesa garage, punk, metal y un sentido del humor que funciona como lente cultural.
En un tiempo que acelera hacia la superficie, DESU TAEM demuestra que la memoria también puede hacer ruido, y que a veces el mejor futuro se escribe entre dos generaciones que se escuchan.
La conversación generacional es el corazón de su sonido. Un padre que trae consigo la memoria de salas pequeñas, furgonetas y micrófonos indomables; un hijo que empuja la mezcla hacia una fisicalidad digital, ordena el caos y desafía los moldes sin perder el pulso analógico. Ese diálogo se filtra en cada arreglo, en cada silencio y en cada giro irónico de sus letras, donde el sarcasmo es otra forma de pensar el presente.
Su catálogo reciente confirma una estética lúdica y sombría, poblada de personajes que parecen salidos de un cómic expresionista. Pero detrás de cada broma visual hay un comentario sobre la época: narcisismos amplificados, nostalgia convertida en refugio, violencia cotidiana disfrazada de chiste. En directo, todo eso se vuelve físico y compacto, una ética del gesto que recuerda que el rock puede ser inmediato sin perder profundidad.
Salvaguarda: cartografiar el movimiento con sonido
Desde Madrid, Salvaguarda emerge como una de las formaciones instrumentales más estimulantes del nuevo post-rock español. El quinteto —procedente de proyectos como Alicia Nurho, Deriva, Balaena o Jardín de la Croix— lleva año y medio construyendo un lenguaje propio basado en la experimentación colectiva, las dinámicas expansivas y un marcado pulso cinematográfico que convierte cada composición en un terreno abierto al diálogo entre instrumentos.
Tras llamar la atención con Óxido, incluido entre los “Fresh Finds España” de Spotify, la banda presenta ahora Coriolis, un nuevo avance de su EP Trazas, que verá la luz en noviembre bajo el sello Aloud Music. Si el debut sorprendía por su intensidad creciente, este segundo single profundiza en un juego sensorial que toma como punto de partida el famoso efecto Coriolis: una fuerza aparente que desvía trayectorias en rotación y que, trasladada a lo sonoro, se convierte en un viaje inmersivo donde los motivos se repiten, se doblan y se transforman sin perder coherencia.
Hay músicas que describen el movimiento, y otras que lo inventan: Salvaguarda pertenece a esa segunda categoría.
Grabada por Juan Blas en Westline Studios, Coriolis confirma el espíritu de búsqueda que vertebra la identidad de Salvaguarda: un post-rock que no se contenta con levantar muros de sonido, sino que explora volúmenes, curvas y desplazamientos, como si cada tema fuera un pequeño laboratorio de percepción.
SOMBRA: electrónica somática en la era de la luz y la penumbra
SOMBRA es el proyecto del productor y compositor canadiense afincado en Tokio, una identidad que se despliega entre sombras, texturas industriales y una pulsión física heredada del house, el trip-hop y el alt-rock de los 90. Su nuevo single, Ningen, que verá la luz el 17 de septiembre de 2025, condensa esa mezcla de géneros en un sonido que se mueve entre lo etéreo y lo contundente, entre la intimidad y la energía expansiva.
El proyecto ha ido creciendo sobre un directo inmersivo donde visuales sincronizados, proyecciones y coreografías originales convierten cada concierto en una experiencia multisensorial. En 2023 y 2024, SOMBRA ofreció más de 40 actuaciones en Japón, Canadá y Corea del Sur, desde festivales a una apertura para “In The Valley Below” en su gira Akai Toro. Esa presencia escénica ha reforzado una comunidad entregada a sus shows, en los que colaboran músicos y performers como Ryosuke Ogasawara, Dennis Sullivan y Satomi Iha.
La evolución discográfica del proyecto también deja huella: desde colaboraciones con artistas de hip-hop ghanés y japonés hasta un EP conjunto con el productor BLACKURO, publicado bajo el nombre DRAWSTRING. Tras un periodo de estudio durante el invierno de 2024, SOMBRA apunta a un 2025 especialmente fértil con varios singles preparados para la segunda mitad del año.
Hay artistas que producen música, y otros que producen mundos: SOMBRA pertenece a esos últimos, donde el sonido es también una forma de habitar la oscuridad.
Ningen confirma esa estética híbrida donde cuerpo, atmósfera y narrativa se entrelazan para crear un espacio que vibra a medio camino entre el club y la introspección.
Tonight’s Sunshine: furia, catarsis y una reescritura del dolor
Con Papillons Noirs (Dark), Tonight’s Sunshine firma una de sus piezas más incómodas y necesarias. El tema aborda violencias extremas —violación, asesinato— pero no desde el morbo ni el sensacionalismo, sino desde la posibilidad de transformar la rabia en un grito artístico que ilumine experiencias silenciadas. La banda insiste en que no se trata de glorificar la violencia real, sino de canalizar una energía que, en la ficción, permite hablar de aquello que demasiadas veces se calla.
La canción se inspira en la serie francesa Papillons Noirs y, en particular, en el personaje de Solange, una mujer que tras ser agredida se convierte en vengadora y amenaza para quienes actúan con impunidad. Es un giro deliberado: aquí la víctima no aparece débil ni culpabilizada, sino como una figura poderosa que desafía los estereotipos y desmonta la narrativa del miedo impostado.
El sonido acompaña ese enfoque. La banda lo describe como un “nu-metal banger” de ukulele espectral, solos de guitarra crudos y una interpretación vocal que vibra entre la fragilidad y la furia visceral. Tonight’s Sunshine, activos desde 2018, han pasado por escenarios tan inesperados como el tailgate del Gin and Juice Arizona Bowl y cuentan con una vocalista, Anastasia, seleccionada en dos ocasiones para los prestigiosos campamentos de composición de American Songwriter.
A veces la música no cura la herida, pero sí devuelve la voz: convierte el temblor en fuerza y el silencio en relato propio.
Papillons Noirs (Dark) no busca comodidad, sino verdad. Y en esa incomodidad late su potencia.
Jane Yo: habitaciones vacías, paisajes emocionales y un nuevo rumbo sonoro
La banda mallorquina Jane Yo regresa con Empty Room, un EP que marca un punto de inflexión en su trayectoria. Tras cuatro años sin publicar nuevo material desde From Now On, el grupo —formado por August Cortès, José Troya, Miquel Cifre, Jorge Sevilla y con la reciente incorporación de Gabi Capllonch— vuelve con un sonido más profundo, expansivo y cinematográfico. Sus raíces en el post-punk, el shoegaze y el dreampop siguen presentes, pero ahora respiran con nueva amplitud gracias a capas de sintetizadores y atmósferas que se abren como una herida luminosa.
Hay discos que no buscan respuestas, sino un espacio donde aprender a escuchar lo que todavía duele.
El primer adelanto, Strange Things, muestra esa evolución con claridad: guitarras que sostienen la tensión, teclados que planean y una emoción contenida que parece crecer a cada compás. Grabado en los Estudios MonoBoost a comienzos de 2025, el trabajo de Jaime García Soriano y Nahuel Gutiérrez en producción aporta densidad, matices y un cuidado especial en la voz, elementos que dan cohesión a un EP que reflexiona sobre la edad adulta, el paso del tiempo y los vínculos que se transforman.
Empty Room, disponible en enero de 2026, reafirma a Jane Yo como una banda que sabe combinar sensibilidad y contundencia, construyendo canciones que vibran entre lo íntimo y lo expansivo.
Vonsharon: crudeza, miedo digital y un rock que nace de las cicatrices
La dupla bretona vonsharon regresa dos años después de su EP Yikes con dm for collab, primer adelanto de su álbum text when you get home, previsto para febrero de 2026. El single, con un título tan contemporáneo como inquietante, juega deliberadamente con la estética de las redes: una fachada amable que esconde una intención depredadora. La canción, guiada por un riff cortante y una producción mínima sin adornos —solo batería, guitarra y voz— expone el temor a la vulnerabilidad online, un miedo vivido por ambos músicos, padres de familia, ante lo fácil que resulta que un desconocido entre en la vida de un menor desde detrás de una pantalla.
Musicalmente, se sitúan entre el songwriting de Hanni El Khatib y la agresividad abrasiva de DITZ, con la urgencia directa de Blood Red Shoes.
La historia del grupo está marcada por una herida que no buscan exhibir, pero sí transformar: Maxim sobrevivió a los atentados del Bataclan, una experiencia que se convirtió en una fuerza a canalizar, no en un relato para explotar. Ese origen fracturado se escucha en cada compás: un rock oscuro, honesto, sin pose ni artificio.
Hay bandas que no pulen sus grietas: las convierten en la única luz posible dentro del ruido.
Con dm for collab, vonsharon hace un regreso feroz y humano, recordando que el rock puede seguir siendo un lugar incómodo, vulnerable y necesario.
Red Skies Dawning: renacer entre guitarras y cicatrices
Red Skies Dawning irrumpe con una fuerza casi cinematográfica. Su debut From Ashes es una declaración de principios: un disco donde la agresividad del metal alternativo convive con un pulso emocional que no rehúye la fragilidad. La voz de Chris Aleshire guía este viaje entre caos, dolor y reconstrucción, apoyada por unas guitarras que golpean como un relámpago y una producción que convierte cada canción en un paisaje tenso y expansivo.
El álbum, producido por Chris Dawson y mezclado por Jimmie Beattie, reúne seis temas que exploran la pérdida, el vértigo y la voluntad de volver a levantarse. Su single principal, Shipwrecked, funciona como carta de presentación: un tema afilado y melódico que encapsula la idea de sentirse a la deriva y aun así avanzar. La banda lo define como un renacimiento sonoro, una reconstrucción desde las ruinas, escrita pieza a pieza.
A veces la música más dura no nace de romperlo todo, sino de reunir los fragmentos sin miedo a que vuelvan a cortar.
Con influencias que van de Bad Omens a Breaking Benjamin, Red Skies Dawning encuentra su propio lugar entre la épica y la vulnerabilidad. From Ashes sugiere que incluso en los momentos de mayor oscuridad existe un punto de fuga, un destello que permite seguir adelante.
Grid Theory: metal alternativo para un mundo en ruinas
Grid Theory llega con un debut que no pretende encajar en ningún molde. The Aftermath, previsto para el 28 de noviembre de 2025, es un álbum que se mueve entre la agresividad del metal alternativo y una precisión casi futurista, como si cada ritmo y cada riff formaran parte de un sistema complejo que late bajo la superficie. Trece canciones que, lejos de limitarse a la contundencia, se acercan a un territorio conceptual donde el colapso tecnológico y la fragilidad humana se enfrentan sin intermediarios.
Los singles que preceden el lanzamiento, (un)worthy y Digital Echo, muestran bien esa dualidad: contrastes dinámicos, versos crudos y un estribillo que parece querer romper los cimientos en el primero; un torbellino técnico y cinematográfico en el segundo, que habla del bucle infinito de la era digital. La banda utiliza sus herramientas —guitarras armonizadas, ritmos calculados, melodías heladas— para construir un espacio donde la música y la idea pesan lo mismo.
En discos así, el ruido no es un refugio ni una protesta: es una forma de pensar el mundo cuando el mundo ya no parece tener forma.
Con The Aftermath, Grid Theory firma algo más que un estreno: un manifiesto contra la inercia y un mapa posible para el metal que mira hacia adelante.
Matt Camillo: melodías introspectivas entre Roma y Londres
A sus 25 años, Matt Camillo compone como quien mira por una ventana entre dos ciudades. Entre Roma y Londres, el cantautor y multiinstrumentista ha ido construyendo un universo propio donde la nostalgia del Laurel Canyon de los setenta convive con la tensión del post-punk y la sensibilidad del rock alternativo contemporáneo. Sus canciones, autoproducidas, respiran cine: paisajes emocionales donde identidad, pérdida y búsqueda personal se entrelazan con arreglos cuidados y una voz que nunca teme mostrar su fragilidad.
En el último año ha agotado entradas en sus conciertos londinenses —The Bedford, Hampton Hub Club— y ahora vuelve a Italia con una gira que incluye Livorno, Sanremo y un cierre en el LIAN Club de Roma el 15 de enero. Sus primeros singles, Scrape Me Away y Leave It All Blank, ya habían mostrado esa combinación de guitarras afiladas y vulnerabilidad que lo consolidó en publicaciones como Post-Punk.com o A&R Factory. Su tercer lanzamiento, Crash Upon The Shore, se mueve con la melancolía de los primeros Coldplay, confirmando su capacidad para convertir la tristeza en algo luminoso.
En la música de Matt Camillo, cada silencio pesa tanto como un verso: ahí es donde empieza la verdad que no siempre sabemos decir.
Con solo unos pocos temas publicados, Matt Camillo aparece como un autor capaz de unir la introspección íntima con un pulso expansivo, dibujando un camino que apenas comienza.
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